Lazare Jagt Emotionen, Keiner Formel Hinterher

Nach dem Durchbruch mit „Muhuuuu“, „Bloom“ und „Children of the Sun“ verbreitete sich die Musik des in Cannes geborenen Produzenten mit rasantem Tempo auf internationalen Dancefloors. Anstatt die Tracks zu wiederholen, die ihm diese Türen geöffnet haben, entwickelt Lazare einen Sound zwischen House, Indie Dance und melodischer elektronischer Musik, geprägt von mediterraner Wärme, Nostalgie und dem Bedürfnis, sich ständig weiterzuentwickeln.

Erfolg lässt die Entwicklung eines Artists im Nachhinein oft kalkulierter erscheinen, als sie tatsächlich war.

Sobald ein Track durchbricht, werden frühe Experimente plötzlich Teil einer Strategie. Richtungswechsel werden als Neuerfindungen interpretiert. Die Unsicherheit des Lernens, das Vertrauen auf Instinkte und die Momente, in denen Dinge auch einmal nicht funktionieren, verschwinden aus der Erzählung und werden durch eine saubere Geschichte ersetzt, die scheinbar geradlinig zum Durchbruch geführt hat.

Lazare selbst betrachtet seine Musik nicht auf diese Weise.

Es gab keinen bestimmten Moment, in dem er beschloss, seine früheren Einflüsse hinter sich zu lassen.

„Diese Entwicklung ist sehr natürlich passiert“, sagt er. „Ich bin nie eines Morgens aufgewacht und habe beschlossen, meine Afro-Einflüsse hinter mir zu lassen, um etwas völlig anderes zu machen.“

Was sich veränderte, war vielmehr der Raum, den er Vocals, Melodien und Atmosphäre gab.

„Über die Jahre hat sich mein Geschmack weiterentwickelt, genauso wie die Emotionen, die ich durch meine Musik ausdrücken wollte“, sagt er. „Ich habe angefangen, Melodien, Vocals und Atmosphären mehr Raum zu geben, während ich gleichzeitig die rhythmische Energie beibehalten habe, die schon immer Teil meiner frühen Produktionen war.“

„Muhuuuu“ war der Track, der diese Instinkte erstmals vollständig zusammenbrachte.

Er funktionierte auf dem Dancefloor, doch seine Wirkung beruhte nicht allein auf Druck und Energie. Unter der Oberfläche lag etwas Verletzlicheres. Für Lazare war das der Beweis, dass emotionale Tiefe einen Clubtrack nicht schwächen muss.

„Ich glaube, ,Muhuuuu‘ war ein echter Wendepunkt“, sagt er. „In diesem Moment habe ich verstanden, dass ich Dancefloor-Energie und tiefere Emotionen innerhalb desselben Tracks miteinander verbinden kann.“

„Bloom“ und „Children of the Sun“ bestätigten diese Richtung. Gemeinsam positionierten die Releases Lazare irgendwo zwischen House, Indie Dance, melodischen Sounds und den Spuren Afro-beeinflusster Produktion, die seine früheren Arbeiten geprägt hatten.

Es ist inzwischen eine erkennbare Identität, doch er weigert sich, sie als abgeschlossen zu betrachten.

„Ich glaube nicht, dass mein Sound festgelegt ist“, sagt er. „Er wird sich weiterentwickeln, genauso wie ich mich weiterentwickle.“

Diese Haltung wird schwieriger zu schützen, sobald ein Track beginnt, wirklich Fahrt aufzunehmen.

Bevor „Muhuuuu“ und „Children of the Sun“ in großen Sets auftauchten, produzierte Lazare Musik ohne jede Garantie, dass sie jemals über seinen eigenen Kreis hinausreichen würde. Das Ziel war schlicht, etwas zu erschaffen, das Menschen spielen und emotional fühlen könnten.

„Ich habe einfach Musik gemacht, in der Hoffnung, dass Menschen sie spielen und eine emotionale Verbindung dazu aufbauen würden“, sagt er. „Ich hatte keinerlei Garantie dafür, dass sie jemals ein so großes Publikum erreichen würde.“

Dann verließen die Tracks das Studio.

Sie wurden von etablierten Artists unterstützt, in Clubs und auf Festivals gespielt und gelangten in Regionen, die Lazare selbst nie erwartet hatte, so schnell zu erreichen. Die eigene Musik vor internationalem Publikum zu hören, gab ihm ein neues Vertrauen in seine Instinkte.

„Zu sehen, wie diese Tracks um die Welt gereist sind, von großen Artists unterstützt wurden und auf Dancefloors überall gespielt wurden, hat mir enorm viel Selbstvertrauen gegeben“, sagt er. „Mehr als alles andere hat es mir gezeigt, dass man Menschen erreichen kann, wenn man seinen eigenen Instinkten treu bleibt.“

Auf das Selbstvertrauen folgte allerdings auch Druck.

Nach einem erfolgreichen Release will die Industrie sofort wissen, wie der Artist diesen Erfolg wiederholen möchte. Labels, Publikum und Teams beginnen nach dem Element zu suchen, das reproduziert werden kann. Eine bestimmte Vocal-Struktur, eine Melodie, ein Drop oder eine Atmosphäre, die dieselbe Reaktion erneut auslösen könnte.

„Wenn ein Track gut funktioniert, beginnt man sehr schnell darüber nachzudenken, wie man dasselbe Ergebnis noch einmal erreichen kann“, sagt Lazare. „Es gibt mehr Erwartungen, mehr Aufmerksamkeit und mehr Verantwortung.“

Das Risiko liegt auf der Hand.

Ein Artist findet eine Formel, wiederholt sie so lange, bis sie nicht mehr funktioniert, und stellt irgendwann fest, dass der eigene Durchbruch zur Einschränkung geworden ist.

Lazare musste lernen, Zahlen und externe Meinungen nicht mit ins Studio zu nehmen.

„Mein Ziel ist nicht, immer wieder denselben Track zu machen“, sagt er. „Ich möchte vielmehr die Ehrlichkeit und Emotion bewahren, durch die diese Tracks überhaupt erst entstehen konnten.“

Die Herausforderung besteht nicht darin, den Erfolg zu wiederholen.

Sie besteht darin, die Freiheit zu schützen, die ihn überhaupt erst möglich gemacht hat.

Lazare wuchs in Cannes an der Mittelmeerküste Südfrankreichs auf.

Die Stadt wird meist über Film, Luxus und Spektakel beschrieben. Der Einfluss, von dem Lazare spricht, ist jedoch deutlich persönlicher. Er entsteht aus dem Licht, dem Meer, der Hitze und jener Stille, die einsetzt, sobald die Sommersaison vorbei ist.

„Da sind das Licht, das Meer, die Sommer, aber auch dieses Gefühl von Nostalgie, wenn die Saison endet und plötzlich wieder alles ruhig wird“, sagt er. „Dieser Kontrast zwischen Energie und Ruhe findet häufig seinen Weg in meine Musik.“

Diese Spannung ist in seinen Tracks oft spürbar.

Es gibt Bewegung, gleichzeitig aber auch das Gefühl, dass der Moment nur vorübergehend ist. Ein Track kann warm und euphorisch wirken und dennoch jene Melancholie in sich tragen, die entsteht, wenn man weiß, dass die Nacht, die Saison oder die Beziehung dahinter nicht für immer bestehen wird.

Lazare versucht nicht, konkrete Erinnerungen nachzubilden.

Er jagt emotionalen Fragmenten hinterher.

„Ich glaube, ich versuche bestimmte Gefühle wiederherzustellen“, sagt er. „Einen Sonnenuntergang, einen Moment von Freiheit, einen Abend mit Freunden, diese Augenblicke, in denen man sich ungewöhnlich bewusst darüber ist, wie schnell die Zeit vergeht.“

Diese emotionale Sprache bleibt auch dann präsent, wenn seine Musik dunkler oder intensiver wird.

„Selbst wenn meine Musik dunkler oder härter wird, behält sie meistens ein Gefühl von Wärme und Hoffnung“, sagt er. „Das kommt wahrscheinlich von meinen Wurzeln und davon, dass ich im Süden Frankreichs aufgewachsen bin.“

Genau diese Wärme macht seine Musik zugänglich, ohne ihr Club-Fundament zu nehmen.

Elektronische Musik hatte schon immer ein kompliziertes Verhältnis zu Popularität.

Artists sollen wachsen, aber gleichzeitig nicht den Eindruck erwecken, dass sie zu sehr wachsen wollen. Melodien werden gefeiert, bis zu viele Menschen sie erkennen. Ein Track kann dafür gelobt werden, dass er ein Publikum erreicht, und später genau dafür kritisiert werden, sobald dieses Publikum zu groß wird.

Lazare betrachtet Underground und Mainstream nicht als Gegensätze.

„Ich habe schon immer die Freiheit und Authentizität der Underground-Szene geliebt, aber gleichzeitig haben mich Melodien fasziniert, die unmittelbar eine Verbindung zu Menschen herstellen“, sagt er.

Diese Balance wurde Teil seiner Identität, ohne jemals geplant gewesen zu sein.

Seine Tracks sind für Dancefloors und Hörer:innen elektronischer Musik gemacht, verlangen aber kein tiefes Verständnis bestimmter Genre-Codes. Eine Vocal oder eine Melodie kann einen unmittelbaren Zugang zum Track schaffen, während die Produktion darunter detailliert und kontrolliert bleibt.

„Ich versuche nicht, kommerzielle Musik zu machen“, sagt Lazare. „Ich versuche, etwas mit einer universellen Emotion zu erschaffen.“

Zugänglichkeit bedeutet für ihn nicht zwangsläufig Vereinfachung.

„Ein Track kann subtil, elegant und interessant für Liebhaber:innen elektronischer Musik sein und gleichzeitig eine Melodie oder Vocal enthalten, die auch jemanden erreicht, der weniger mit der Szene vertraut ist“, sagt er. „Wenn diese beiden Welten ganz natürlich zusammenkommen, entsteht für mich die Magie.“

Das entscheidende Wort dabei ist natürlich.

Elektronische Musik ist voller Tracks, bei denen offensichtlich eine Vocal hinzugefügt wurde, um möglichst große Reichweite zu erzeugen. Lazares stärkste Produktionen vermeiden genau dieses Gefühl, weil die Melodie nicht einfach auf die Produktion gesetzt wird. Sie ist Teil der emotionalen Architektur des Tracks.

House bleibt Lazares Fundament, doch sein Projekt bewegt sich inzwischen an der Schnittstelle verschiedener Szenen.

„House-Musik ist weiterhin mein Fundament, aber sie wird durch Indie Dance, melodische Elemente und bestimmte Farben bereichert, die aus meinen früheren Afro-Einflüssen stammen“, sagt er.

Er hat kein Interesse daran, diese Kombination auf ein einzelnes Genre zu reduzieren.

„Was alle meine Tracks miteinander verbindet, sind die Emotion, die Energie und die Atmosphäre, die ich zu erzeugen versuche.“

Seine kommende Musik wird sich noch stärker auf Vocals, Melodien und Songwriting konzentrieren.

Das bedeutet nicht, den Dancefloor hinter sich zu lassen. Die Tracks müssen weiterhin körperlich funktionieren, auch wenn sich ihre emotionale Bandbreite erweitert.

„Ich möchte Musik machen, die reifer, persönlicher und manchmal auch unerwarteter wirkt“, sagt Lazare. „Ich möchte meine Arbeit rund um Vocals, Melodien und Songwriting weiterentwickeln und gleichzeitig eine starke Dancefloor-Energie erhalten.“

Sein Ziel ist, dass Hörer:innen einen Lazare-Track erkennen, bevor sie überhaupt seinen Namen sehen.

Dafür braucht es eine Handschrift, keine Formel.

Eine Formel wiederholt dieselben Oberflächenmerkmale. Eine Handschrift überlebt Veränderungen, weil die Perspektive hinter der Musik klar bleibt.

„Mein Ziel ist, dass Menschen einen Lazare-Track erkennen, ohne überhaupt den Namen des Artists lesen zu müssen.“

Das öffentliche Bild vom Touring besteht aus Zugang und Bewegung: neue Städte, große Crowds, Festivalbühnen und der Eindruck permanenter Beschleunigung.

Die Realität ist deutlich repetitiver.

Flughäfen, Verspätungen, wenig Schlaf und lange Phasen fernab von zu Hause können genau jene Energie aufbrauchen, die eigentlich für kreative Arbeit benötigt wird.

„Das Leben auf Tour hat mir Disziplin, Anpassungsfähigkeit und die Bedeutung davon beigebracht, meine eigene Energie zu schützen“, sagt Lazare. „Hinter den Bildern von Reisen und Performances stehen unzählige Flughäfen, kurze Nächte und lange Phasen, in denen man nicht zu Hause ist. Wenn man eine lange Karriere haben möchte, muss man ein gesundes Gleichgewicht zwischen Touring, Studio und Privatleben finden.“

Das Touring hat auch verändert, wie er produziert.

Crowds in unterschiedlichen Ländern reagieren auf verschiedene Elemente eines Tracks. Ein Publikum reagiert vielleicht unmittelbar auf Percussion, während ein anderes auf die Vocal, eine Melodie oder den emotionalen Release wartet.

„Jede Kultur und jedes Publikum reagiert anders“, sagt er. „Manche Crowds reagieren stärker auf Rhythmus, andere auf Melodien oder Vocals.“

Diese Erfahrungen begleiten ihn zurück ins Studio.

Touring hat ihm gleichzeitig noch einmal gezeigt, wie universell Dance Music funktionieren kann. Menschen, die weder dieselbe Sprache noch denselben kulturellen Hintergrund teilen, können denselben Spannungswechsel, dieselbe Melodie und dieselbe Auflösung verstehen.

„Menschen, die nicht dieselbe Sprache sprechen, können auf einem Dancefloor trotzdem exakt dieselbe Emotion miteinander teilen.“

Schnelles Wachstum kann jede Möglichkeit dringend erscheinen lassen.

Eine weitere Kollaboration, eine weitere Show, ein weiterer Release oder eine neue Kampagne können sich wie der Beweis anfühlen, dass sich eine Karriere in die richtige Richtung bewegt.

Nein zu sagen, kann dann schnell so wirken, als würde man Momentum verschwenden.

Lazare hat gelernt, dass Langlebigkeit Zurückhaltung benötigt.

„Eine Karriere entsteht nicht durch einen erfolgreichen Track oder eine Phase großer Sichtbarkeit“, sagt er. „Sie entsteht durch Beständigkeit, eine klare künstlerische Identität, das richtige Team und die Fähigkeit, im richtigen Moment die richtigen Entscheidungen zu treffen.“

Dazu gehört auch, Möglichkeiten abzulehnen, die nicht zur Richtung des Projekts passen.

Heute versucht er Entscheidungen mit einem Horizont von fünf oder zehn Jahren zu betrachten. Stärkt diese Möglichkeit die Identität? Führt sie zu tatsächlicher Entwicklung oder lediglich zu kurzfristiger Sichtbarkeit?

„Ich würde lieber etwas Solides und Bedeutungsvolles aufbauen, als jedem Trend hinterherzulaufen“, sagt er. „Die größte Herausforderung besteht darin, weiter zu wachsen, ohne dabei die Freiheit und Leidenschaft zu verlieren, durch die ich mich ursprünglich überhaupt in das Musikmachen verliebt habe.“

Lazare betrachtet seinen jüngsten Erfolg als Öffnung, nicht als Abschluss.

„Was mich am meisten begeistert, ist das Gefühl, dass dies erst der Anfang ist“, sagt er. „Mein jüngster Erfolg hat neue Türen geöffnet, aber noch wichtiger ist, dass er mir die Freiheit und Motivation gegeben hat, meine künstlerische Vision noch weiter voranzutreiben.“

Neue Releases und Kollaborationen nehmen bereits Form an und erweitern das Projekt durch dieselbe Kombination aus Emotion, Melodie und Energie.

Sein Anspruch reicht weit über eine einzelne Reihe erfolgreicher Tracks hinaus.

Er möchte einen Katalog aufbauen, der wechselnde Trends überlebt, auf den größten Bühnen der Welt spielen und ein vollständiges künstlerisches Universum rund um seine Musik entwickeln.

Frankreich bleibt Teil dieser Vision, insbesondere Cannes.

„Eines Tages auf einer großen Bühne in Cannes zu spielen, hätte für mich natürlich eine ganz besondere Bedeutung“, sagt er.

„Ich möchte nicht, dass Lazare für einen einzigen Song oder einen einzigen Moment in Erinnerung bleibt“, sagt er. „Sondern für eine starke künstlerische Identität, die sich permanent weiterentwickelt und gleichzeitig sofort wiedererkennbar bleibt.“

Seine Tracks haben bereits bewiesen, dass sie reisen können.

Die nächste Aufgabe besteht darin, dafür zu sorgen, dass sie sich weiterbewegen, ohne immer wieder am selben Punkt anzukommen.