Miguel De Bois: Den Tresor öffnen

Miguel De Bois’ Musik präsentiert sich nicht als festgelegter Sound. Sie verhält sich eher wie eine Übertragung, geformt von den Räumen, durch die sie hindurchgeht.

In den vergangenen Jahren sind seine Tracks durch unterschiedlichste Kontexte zirkuliert: Clubs, Radioshows, Festivalsets, späte Nächte, intime Listening-Spaces. Jeder dieser Orte hat Spuren hinterlassen. Was auf seinem Debütalbum entsteht, ist keine einheitliche Ästhetik, sondern eine Sammlung von Spannungen, Tempi und emotionalen Gewichten, die sich im Laufe der Zeit angesammelt haben. Das Album versucht nicht, diese Einflüsse aufzulösen. Es lässt sie nebeneinander bestehen.

„Mit diesem Album wollte ich mich von dem lösen, was ich zuletzt produziert habe, und mich in neue Territorien wagen, andere Genres, andere BPM, andere Stimmungen. Ich wollte meine eigenen Grenzen herausfordern und inspiriert bleiben“, erklärt Miguel.

„Das Album bewegt sich zwischen House, 90er-Trip-Hop, Breaks, einigen Non-Club-Tracks und weiteren Überraschungen, aber es klingt immer noch nach mir.“

Beim Hören der zwölf Tracks wird das deutlich. Cluborientierte Stücke stehen neben langsameren, introspektiveren Momenten. Rhythmen verdichten sich, lockern sich wieder. Breaks tauchen dort auf, wo sonst ein Höhepunkt erwartet würde. Manche Passagen wirken für große Räume konzipiert, andere ignorieren die Logik des Dancefloors vollständig. Statt diese Kontraste zu glätten, behandelt Miguel sie als Teil derselben Sprache. Genre fungiert hier als Referenz, nicht als Struktur.

Wie er selbst sagt: „Genres sind für mich nur Orientierungspunkte, um einen Track zu beschreiben. Entscheidend ist, wie er dich fühlen lässt.“

Diese Offenheit spiegelt sich auch im Entstehungsprozess des Albums wider. Die Kollaborationen wurden nicht strategisch zusammengestellt, um Reichweite zu erhöhen oder eine Richtung festzulegen. Sie entstanden aus Nähe und geteilter Sensibilität. Freunde und Wegbegleiter traten ohne Hierarchie in den Prozess ein. Erfahrung spielte keine Rolle. Entscheidend war, ob im Austausch etwas Unerwartetes entstand. Jede Zusammenarbeit verschob die innere Balance des Albums leicht und fügte neue Perspektiven hinzu, statt eine einzige Erzählung zu verstärken.

Das Album unabhängig zu veröffentlichen war die logische Konsequenz dieser Haltung. De Bois entschied sich für sein eigenes Label RTF nicht als Notlösung, sondern aus Überzeugung. Kreative Freiheit ist für ihn nicht verhandelbar. In einem Ökosystem, in dem viele Labels unsichtbare Regeln, Formatvorgaben oder ästhetische Grenzen setzen, wurde Unabhängigkeit zum einzigen Raum, in dem dieses Projekt vollständig existieren konnte.

RTF steht für eine größere Philosophie. Für De Bois geht es in der Musik weiterhin um Gefühl und Kunst, nicht um Metriken. Likes, Followerzahlen oder algorithmischer Erfolg verlieren ihre Bedeutung, wenn das Werk kompromittiert wird. Das Label bietet etwas, das zunehmend selten geworden ist: eine echte Chance. Ein Raum, in dem Künstler nicht endlos warten, ihre Ideen verwässern oder sich vorgegebenen Rahmen anpassen müssen.

Diese Sensibilität für Emotion wurde durch Bewegung geschärft. Lange bevor Europa sein Zuhause wurde, war es eine Vorstellung. Als Teenager träumte De Bois davon, dort zu leben, neue Szenen zu entdecken und seine musikalische Sprache zu erweitern. Zu Beginn seiner DJ- und Produktionskarriere fühlten sich europäische Clubs weit entfernt an, beinahe abstrakt. Dann intervenierte das Leben. Er lernte seine Freundin in Mexiko kennen, während sie dort reiste. Nach einem Jahr gemeinsam in Mexiko-Stadt trafen sie eine Entscheidung, die alles verändern sollte. Sie zogen nach Amsterdam und verpflichteten sich voll und ganz, seine Karriere in einer der anspruchsvollsten elektronischen Musikumgebungen der Welt aufzubauen.

Der Anfang war schwierig. Kein Netzwerk. Keine Abkürzungen. Er schrieb Radiosendern, tauchte in Clubs auf, stellte sich immer wieder vor. Langsam entstanden Verbindungen. Was ihn am meisten überraschte, war nicht Konkurrenz, sondern Großzügigkeit.

„Die niederländische elektronische Community ist unglaublich“, sagt er.

„Die Niederlande haben eine so tiefe Geschichte in elektronischer Musik, und die Menschen hier sind sehr leidenschaftlich und engagiert. Das hat mich motiviert weiterzumachen, auch als ich anfangs nicht viele Gigs hatte. Bevor ich in den Niederlanden bekannter wurde, begann ich dank der frühen Unterstützung von Belaria, Kendal und Pablo Bozzi eine kleine Fanbase in Frankreich aufzubauen. Sie gehörten zu den ersten, die meine Musik auf großen Festivals in Frankreich spielten.“

Raven wurde für ihn zur Bildung. Europäische Dancefloors konfrontierten Miguel De Bois mit musikalischen Strukturen und emotionalen Registern, die er in Mexiko nicht erlebt hatte. Längere Dramaturgien, langsamere Aufbauten, unerwartete Tempi und eine andere Beziehung zwischen Crowd und DJ veränderten sein Hören und schließlich auch seine Produktion. Diese Erfahrung erweiterte nicht nur seine Referenzen, sie kalibrierte seine Instinkte neu.

Bestimmte Räume kristallisierten diesen Wandel. Club RAUM wurde zu einem wiederkehrenden Reset-Punkt, ein Ort, an dem mutige Programmierung und aufmerksames Publikum ihn stets zurück zur Neugier führten. Mondo Disko besaß eine größere persönliche Bedeutung. Vom ersten Auftritt an erlaubte ihm das Vertrauen des Raums, frei zu explorieren, ohne Druck, sich einer bestimmten Erzählung zu unterwerfen. K-Bar Powiśle wiederum zeichnete sich durch Intimität aus. Ein Raum, der weniger von Spektakel als vom Zuhören lebt, in dem Menschen tief eintauchen, statt passiv zu konsumieren.

Gemeinsam formten diese Umgebungen mehr als einzelne Tracks. Sie beeinflussten ein Denken über Musik als etwas Elastisches, Reaktionsfähiges und Emotionales. Nicht gebunden an Peak-Momente oder Genre-Erwartungen, sondern geformt durch Kontext, Geduld und Präsenz.

Auch Radio spielte eine prägende Rolle. In Europa entdeckte De Bois eine Broadcasting-Kultur, die ihm in Mexiko weitgehend fehlte. Online-Sender boten Raum für Experimente jenseits reiner Clubfunktionalität. Radio wurde zu einem Labor für Identität, einem Ort, an dem er verschiedene Stimmungen und Themen erforschen konnte, ohne den Druck der Peak-Time-Logik. Frühe Shows auf Operator Radio bewegten sich stärker in Richtung Non-Club-Musik, gefiltert durch seine eigene Sensibilität. Diese Freiheit war entscheidend für die Formung seines Sounds.

Über all diese Kontexte hinweg bleibt eine Konstante: Emotion. Ob energiegeladen oder zurückgenommen, seine Produktionen tragen Nostalgie, Sentimentalität und einen emotionalen Unterstrom, der Neutralität verweigert. Für De Bois ist Erfolg einfach definiert. Wenn die Crowd fühlt, was er beim Produzieren gefühlt hat, hat die Musik ihren Zweck erfüllt.

„Es hat lange gedauert, all diese Tracks zu sammeln und das Konzept zu formen. Ich bin wirklich stolz auf das Ergebnis und freue mich sehr, es endlich zu teilen. Für mich bedeutet Fortschritt, immer mehr Musik zu machen, neue Produktionstechniken zu lernen, neue Genres und Atmosphären zu erkunden und aus einem ehrlichen Ort heraus zu kreieren. Ruhm oder Trends interessieren mich nicht. Ich möchte einfach für den Rest meines Lebens Musik machen.“

Zeit mit Miguel De Bois zu verbringen offenbart einen Menschen, der von Aufmerksamkeit und Sorgfalt geprägt ist. Er bewegt sich durch Gespräche mit ruhiger Konzentration, hört aufmerksam zu und antwortet überlegt, als verdiene jede Begegnung volle Präsenz. Es liegt eine Gelassenheit in seiner Art, aufrichtig und geerdet, die gemeinsame Zeit entschleunigt wirken lässt.

Er begegnet dem Leben mit der Neugier eines Menschen, der offen bleibt, sich verändern zu lassen. Neue Orte, neue Beziehungen, neue Routinen nimmt er ohne Eile auf. Dankbarkeit erscheint selbstverständlich, wenn er über die Menschen und Communities spricht, die ihn aufgenommen haben. Diese Wertschätzung scheint auch sein eigenes Beziehungsverständnis zu prägen.

Im Kern ist Miguel auf Kontinuität ausgerichtet. Er schätzt Beständigkeit, Lernen und die langsame Anhäufung von Bedeutung durch tägliche Praxis. Seine Entscheidungen spiegeln den Wunsch wider, ein Leben zu gestalten, in dem Musikmachen, Beziehungen und Authentizität langfristig nebeneinander bestehen können. Eine Bewegung nach vorne, die bewusst, stabil und zutiefst menschlich wirkt.