Verlust, Neuanfänge, Berlins sich ständig wandelnde Landschaft und warum Neugier heute vielleicht eine der kraftvollsten Kräfte ist, die Musik prägen.

Berlin war schon immer eine Stadt der Neuerfindung, und nur wenige Künstler verkörpern diesen ständigen Wandel so selbstverständlich wie Alex Drift. Mit Curiosity (Chapter 1) öffnet er ein kreatives Archiv, das beinahe für immer verloren gegangen wäre: zwanzig Jahre voller Ideen, Skizzen und fertiger Tracks, die nach einem verheerenden Festplattencrash gerettet und mit neuer Vision wieder aufgebaut wurden. Was das Ende hätte markieren können, wurde stattdessen zum Ausgangspunkt eines neuen Kapitels. Das Ergebnis ist ein Album, das sich zutiefst persönlich und gleichzeitig absolut zeitgemäß anfühlt – eine Mischung aus der Wärme von Indie Dance, der Energie von Tech House und einer rohen emotionalen Ehrlichkeit, die sich deutlich vom heutigen Grundrauschen abhebt.

Mehr als nur ein Rückblick auf die Vergangenheit ist Curiosity (Chapter 1) ein klares Statement. Das Album erzählt von Wiederaufbau, vom Hinterfragen von Normen und vom Ablehnen kreativer Grenzen – sei es klanglich, künstlerisch oder politisch. Während Alex gemeinsam mit dem Kölner Label Electromantica in eine neue Phase startet und kreative Unabhängigkeit stärker denn je in den Mittelpunkt rückt, wird seine Reise zu einer Geschichte über Resilienz, Neugier und den Mut, in einer oft stillen Welt weiterhin laut seine Meinung zu vertreten.

Wir haben mit Alex Drift über Verlust, Neuanfänge, den Wandel Berlins und darüber gesprochen, warum Neugier heute vielleicht eine der wichtigsten Kräfte innerhalb der Musik ist.

Curiosity (Chapter 1) vereint Material aus fast 20 Jahren. Hörst du darin heute eine jüngere Version deiner selbst oder fühlt es sich eher wie eine durchgehende Geschichte an?

Beides. Ehrlich gesagt war es eine Mischung aus lautem Lachen und körperlichem Schmerz, als ich meine alten Tracks wieder gehört habe, um zu prüfen, ob sie überhaupt noch veröffentlichungswürdig sind. Es gab Momente, in denen ich dachte: „Hilfe, was hast du dir damals dabei gedacht?“

Aber dann habe ich plötzlich Loops gefunden, die wirklich stark waren, oder komplett fertige Tracks, die einfach nur noch gemischt werden mussten. Es war definitiv spannend. Früher habe ich mit deutlich mehr Attitüde produziert. Ich habe unglaublich viel Zeit in Sounddesign, Herumprobieren und wilde Experimente gesteckt.

Heute liegt mein Fokus viel stärker auf dem Song selbst und dem Gefühl, das ich transportieren möchte, weniger darauf, den verrücktesten oder komplexesten Sound zu bauen. Die Herausforderung bestand darin, all diese unterschiedlichen Versionen meiner selbst ins Jahr 2026 zu bringen.

Der Festplattencrash klingt wie der Albtraum jedes Produzenten. Wie war dieser Moment emotional für dich und was hat dich dazu gebracht, weiterzumachen statt aufzugeben?

Es war brutal. Als Independent-Artist bewegt man sich ständig auf einem schmalen Grat. Man muss jeden Cent im Blick behalten. Diese Angst begleitet dich permanent und lähmt einen teilweise so sehr, dass man handlungsunfähig wird. Als die Festplatte abgestürzt ist, fühlte es sich an, als wäre mein gesamtes Lebenswerk verschwunden. Ich habe einen kompletten Kreislauf aus Frustration und Selbstvorwürfen durchlebt.

Leider bin ich auch gesundheitlich angeschlagen, und ich hatte mir fest vorgenommen, diese Musik zu veröffentlichen, bevor ich dazu vielleicht irgendwann nicht mehr in der Lage bin. Das war wirklich hart.

Aber in dem Moment, als ich die Daten wiederherstellen konnte, hat es Klick gemacht. Es war ein klassischer „now or never“-Moment. Von September bis Dezember 2025 habe ich wie besessen produziert, Tag und Nacht, um alles fertigzustellen.

Und eine Sache war wirklich schwierig: Projekte zu öffnen, bei denen die Hälfte der Plugins fehlte. Gleichzeitig war genau das aber auch ein Geschenk. Ich musste komplett neu interpretieren, wie die Tracks ursprünglich gedacht waren und wie sie eigentlich klingen sollten.

Die zerstörte Festplatte hat mich also gezwungen, alle Songs von Grund auf neu zu denken. Gleichzeitig hat mich das dazu gebracht, neue Fähigkeiten zu entwickeln.

Wie hast du entschieden, was von den alten Tracks erhalten bleibt und was komplett neu gedacht werden musste?

Die Songs selbst haben das mehr oder weniger entschieden, weil sie alle in völlig unterschiedlichen Stadien waren. Summer Time zum Beispiel entstand aus dieser „Füße-im-Sand“-Beachbar-Stimmung heraus – total Midtempo und positiv. Der Track war ursprünglich Teil einer geplanten Sommer-EP, die genau dieses Gefühl transportieren sollte. Warum mich das damals so beschäftigt hat, weiß ich bis heute nicht genau. Vielleicht war es einfach irgendeine unerfüllte Sehnsucht. Manche finden das vielleicht kitschig, aber für mich ging es immer nur um die Atmosphäre.

Dann gab es wiederum Tracks, die aus purer Verachtung gegenüber politischen Entwicklungen oder aus persönlichem Herzschmerz entstanden sind. Diese Songs waren roh und standen im totalen Kontrast zu dieser Beachbar-Stimmung. Will Never Come Back handelt beispielsweise von toxischen Beziehungen und davon, sich daraus zu befreien und nie wieder zurückzuschauen. Der Ton dieses Songs war deutlich direkter und härter.

Am Ende war es ein langer Filterprozess. Dazu kamen noch völlig verrückte Skizzen. Jeder kennt diese Nächte, in denen man denkt, man produziert gerade „den besten Song aller Zeiten“, nur um später festzustellen, dass es kompletter Müll ist. Diese Ideen sind direkt im Papierkorb gelandet.

Ich habe wirklich nur die Ideen behalten, die sich richtig in die Geschichte des Albums eingefügt haben.

Das Thema Neugier zieht sich nicht nur musikalisch, sondern auch philosophisch durch das Album. Was bedeutet Neugier für dich im Jahr 2026?

Ich bin von Natur aus extrem neugierig. Für mich geht es um Erlebnisse und darum, diese Euphorie mit anderen Menschen zu teilen. Meine Freunde wissen, dass das manchmal anstrengend sein kann. Aber genau dieses Entdecken und Weitergeben macht mich glücklich. Das ist wie SpongeBob beim Quallenfischen oder Burgerbraten – diese reine, freudige Besessenheit. Das könnte wirklich ich sein.

Und gleichzeitig leben wir in extremen Zeiten, die ich persönlich als sehr negativ und isolierend empfinde. Alle starren auf ihre Handys, kennen ihre Nachbarn nicht mehr und haben irgendwie die Freude am Leben verloren. Es schwingt immer ein gewisser Pessimismus mit.

Durch meine Neugier war ich immer ein bisschen anders. Ich sauge jedes Genre auf, teste Plugins, entdecke neue Menschen, Essen, Viertel oder Kulturen. Gerade in diesen negativen Zeiten brauchen wir diese Offenheit mehr denn je. Für mich ist das eine progressive Haltung zum Leben und genau diese Philosophie wollte ich mit dem Album einfangen.

Du warst zwei Jahrzehnte Teil der Berliner Szene. Wie hast du ihre Entwicklung erlebt und wohin bewegt sie sich deiner Meinung nach heute?

Ich habe 20 Jahre in Berlin gelebt und unglaublich viel aus dieser Zeit mitgenommen. Ich bin damals zum Studieren dorthin gezogen, genau zu der Zeit, als Jazzanova die Sonar-Kollektiv-Partys im Maria und WMF veranstaltet haben. Dort hatte ich das Gefühl, angekommen zu sein.

Ich habe Legenden wie King Britt, Azymuth, Louie Vega, Rainer Trüby oder Norman Cook erlebt. Gleichzeitig war ich oft im Icon unterwegs, dem heutigen Gretchen. Dort liefen die wichtigsten Namen der britischen Drum-&-Bass-Szene wie Grooverider oder Hidden Agenda, aber auch Ninja-Tune-Acts wie Coldcut oder Mr. Scruff. Ich hatte wirklich das Glück, Berlin in einer seiner wildesten Phasen zu erleben.

Doch mit Geld und Politik begann sich die Stadt zu verändern. Ich war nie ein Fan dieses Berghain- oder Bar-25-Hypes. Der letzte Ort, den ich wirklich geliebt habe, war das Suicide Circus mittwochs. Brutal ehrlich, maximal 400 Leute, Strobo-Licht und dieser massive Soma- oder Kittball-Sound. Das hat mich an den alten Tresor erinnert.

Irgendwann kam aber der Punkt, an dem ich weiterziehen musste. Ich lebe seit sechs Jahren nicht mehr dort. Wenn du fast 50 bist, willst du nicht mehr durch Baustellen klettern, nur um auf irgendeiner kaputten Couch zu sitzen und dem nächsten gehypten Superstar-DJ bei künstlich edgy Musik zuzuhören. Es wurde eine Hassliebe und ich glaube, die Stadt hatte ihren Höhepunkt vor ungefähr fünf Jahren. Berlin bleibt lebendig, aber für mich war es Zeit für ein neues Kapitel.

Dein Sound verbindet Tech House, Indie Dance, Disco sowie Elemente aus Breaks und Soul. Nutzt du Genres eher als Werkzeuge oder versuchst du bewusst, diese Grenzen aufzulösen?

Ich versuche ganz bewusst, diese Grenzen aufzulösen. Auf dem Album passiert nichts zufällig. Jahrelang habe ich nach meiner Identität beziehungsweise meinem Sound gesucht, etwas, das ich in anderen Projekten nie wirklich gefunden habe. Dort ging es oft darum, wie andere zu klingen.

Mit Alex Drift habe ich zum ersten Mal das Gefühl, wirklich bei mir selbst angekommen zu sein. Gerade experimentiere ich stärker mit Indie Dance, weil ich dort noch viel Potenzial für mich sehe. Dabei geht es mir nicht darum, Regeln zu brechen, nur um besonders „edgy“ zu wirken. Es geht vielmehr um Neugier und darum auszutesten, was passiert, wenn verschiedene musikalische Welten aufeinandertreffen.

Du hast früher unter verschiedenen Aliasen veröffentlicht. Warum ist Alex Drift letztlich die Identität geworden, die geblieben ist?

Es war eine bewusste Abkehr von meinem früheren Sound. Ich wollte mich etwas von dieser „jazzy“ Welt lösen. Ich liebe diesen Sound immer noch über alles, aber gleichzeitig gab es immer diese Indie-Seite in mir.

Einige meiner Freunde produzieren extrem melancholisch, andere sehr hart und technisch. Ich bin keines von beidem. Ich liebe tiefe, komplexe Strukturen genauso wie eingängige Melodien und diese gewisse „poppige“ Zugänglichkeit.

Mein Leben wäre wahrscheinlich einfacher, wenn ich mich einfach auf ein Genre festlegen würde. Aber das wäre nicht ich. Das wäre nur das, was andere erwarten. Und aus diesem Spiel bin ich definitiv ausgestiegen. Alex Drift ist mein Weg, genau dieser Haltung treu zu bleiben.

Wie fühlt es sich an, auf einem neuen Label wie Electromantica zu veröffentlichen und welchen Raum wollt ihr dort schaffen?

Was ich dort besonders mag, ist die persönliche Verbindung. Alle im Label sind ungefähr im gleichen Alter und befinden sich auf einer ähnlichen Reise. Dadurch bekomme ich unglaublich viel Unterstützung und Freiheiten, die ich woanders vielleicht nicht hätte.

Gerade wenn es darum geht, meiner Intuition zu folgen, melodische und eingängige Elemente einzubauen oder Genres zu mischen, ohne in irgendeine Schublade gedrückt zu werden. Viele Labels wollen einfach nur das veröffentlichen, was gerade funktioniert. Bei Electromantica veröffentlichen wir die Dinge, die wir wirklich mögen.

Du hast offen darüber gesprochen, dich von klassischen Streaming-Plattformen zu distanzieren. Ist das für dich eine persönliche Haltung oder Teil einer größeren Entwicklung?

Das ist gleichzeitig eine persönliche, politische und finanzielle Entscheidung. Wenn Monopole von der Kunst unabhängiger Künstler profitieren und nichts davon in die Szene zurückfließt, läuft etwas falsch.

Das Geld verschwindet in diesen Plattformen und wird teilweise sogar in Dinge investiert, gegen die Künstler eigentlich selbst stehen. Für mich ist das eine doppelte Demütigung.

Und viel zu viele Künstler spielen dieses Spiel einfach mit, jagen Subscription-Fallen hinterher und bezahlen Werbung auf Plattformen, deren Algorithmen sie am Ende regelrecht verhungern lassen. Wenn jemand, der Pfandflaschen sammelt, mehr Geld pro Flasche bekommt als wir für 80 Streams, obwohl man vorher schon viel investieren muss, um überhaupt auf diese Zahlen zu kommen, dann stimmt etwas nicht.

Ich merke einfach, dass ich dieses Spiel nicht mehr mitspielen möchte. Eigentlich möchte ich die Regeln verändern.

Aktuell konzentriere ich mich stark auf Bandcamp, Juno, Beatport, SoundCloud, Sync und meine eigene Website. Dort liegt mein Fokus. Natürlich bin ich weiterhin auf den großen Plattformen vertreten, weil die Strukturen einen vollständigen Ausstieg fast unmöglich machen. Aber innerlich habe ich mich längst davon entfernt und das fühlt sich richtig an.

Das ist erst Kapitel 1 einer größeren Reise mit insgesamt 20 Tracks. Was erwartet uns in den nächsten Kapiteln?

Mit Chapter 2 bewege ich mich wieder stärker in Richtung Deep House und jazziger Vibes. Das Projekt ist bereits zu etwa 70 Prozent fertig, aktuell arbeite ich am Mix und an der finalen Tracklist.

Die spannende Herausforderung besteht darin, die Verbindung zum ersten Album aufrechtzuerhalten. Ich werde keinen komplett neuen Sound erfinden, sondern eher schauen, wie sich die Songs organisch an den Vorgänger anschließen und die Geschichte weitererzählen.

Das ist gar nicht so einfach, weil die Tracks erneut sehr unterschiedlich sind. Aber mir ist wichtig, dass beide Alben am Ende wie ein zusammenhängendes Werk funktionieren. Etwas, das man von Anfang bis Ende hören kann.

Eines kann ich aber schon verraten: Es wird weiterhin um Leben, Liebe und natürlich Neugier gehen und gleichzeitig noch tanzbarer werden.