Avision: Das Lange Spiel

Es gibt eine besondere Form von Selbstvertrauen, die durch Wiederholung entsteht, durch Nächte, in denen man Räume lesen lernt, durch Platten, die sich erst mit der Zeit vollständig erschließen. AVISION gehört zu jener ruhigeren Linie elektronischer Künstler, deren Entwicklung nicht von permanenter Neuerfindung geprägt ist. Seine Karriere führte stetig von den Underground-Clubs New Yorks auf internationale Bühnen, ohne dass er dabei der Versuchung erlag, sich jedem vorüberziehenden Trend anzupassen. Wenn man ihm zuhört, fällt vor allem eines auf: nicht nur sein Ehrgeiz, sondern der beständige Glaube daran, dass jede Entscheidung Verantwortung mit sich bringt.

„Wenn mich jemand bisher noch nicht gehört hat, würde er, glaube ich, ziemlich schnell verstehen, dass ich aus den richtigen Gründen hier bin. Ich mache und spiele Musik, weil ich sie wirklich liebe. Ich tue das aus purer Leidenschaft, Hingabe und einem tiefen Respekt vor dem Handwerk. Ich nehme meinen Beruf sehr ernst, besonders wenn es um Musik geht. So wichtig es ist, etwas Vertrautes zu spielen, genauso wichtig finde ich es, den Leuten etwas zu geben, das sie noch nicht gehört haben. Ich glaube, ein Teil unserer Aufgabe ist es, ein Publikum zu bilden und zu inspirieren, egal ob ich Musik spiele oder selbst produziere.“

Dieses Wort, Verantwortung, taucht im Gespräch immer wieder auf, ohne jemals wie ein Schlagwort zu wirken. Für ihn ist ein DJ nicht einfach jemand, der die Dynamik auf einem Dancefloor aufrechterhält. Die Rolle bringt die Verpflichtung mit sich, die Perspektive der Zuhörer:innen zu erweitern, ohne dabei die Verbindung zu verlieren, die sie überhaupt erst dorthin gebracht hat. Es ist eine erstaunlich traditionelle Philosophie in einer Zeit, die zunehmend von Algorithmen geprägt ist, die Vertrautheit eher belohnen als Neugier. Fast etwas Stures liegt darin, weiterhin daran zu glauben, dass ein Dancefloor noch überrascht werden kann.

New York bleibt zentral, um zu verstehen, wo diese Haltung entstanden ist, allerdings nicht aus den Gründen, die die Mythologie elektronischer Musik oft nahelegt. Die Stadt erscheint weniger als romantische Kulisse, sondern vielmehr als Schule des Miteinanders.

„New York hat enorm geprägt, wer ich bin, nicht nur als Künstler, sondern auch als Mensch. In dieser Stadt aufzuwachsen, besonders schon in jungen Jahren, hat mir beigebracht, offen und neugierig zu sein. Die Underground-Kultur hier drehte sich nie nur um einen Sound oder einen bestimmten Typ Mensch. Es war immer eine Mischung aus Einflüssen, Communities und Ideen, die gleichzeitig existierten, und ich glaube, das beeinflusst bis heute stark, wie ich an Musik herangehe.“

Die Stadt brachte ihm außerdem etwas weniger Romantisches, aber womöglich Wertvolleres bei. Underground-Kultur lebt von Erinnerung, überlebt aber nur durch Erneuerung. Jede Generation erbt eine musikalische Geschichte, die bewahrt werden sollte. Wird sie jedoch lediglich wiederholt, verliert sie irgendwann ihre Bedeutung.

„Hinter den Decks habe ich immer daran geglaubt, den Leuten etwas Vertrautes zu geben und ihnen gleichzeitig etwas vorzustellen, das sie vielleicht noch nie gehört haben. Das kommt direkt aus meiner Erfahrung mit der Underground-Kultur New Yorks, in der Entdeckung ein so wichtiger Teil des Erlebnisses war. Es gab immer dieses Gefühl, dass ein DJ nicht nur die Aufgabe hat, Menschen zum Tanzen zu bringen, sondern das Publikum auch zu bilden und mitzunehmen.“

Zeitgenössische elektronische Musik feiert Freiheit oft über alles. DJs werden dazu ermutigt, Regeln zu brechen, Genres zu vermischen und sich ständig neu zu erfinden.

Vielleicht erklärt genau das, warum seine Antworten immer wieder zu Erinnerung zurückkehren und weniger zu Performance. Eine Platte, die man zum ersten Mal hört, eine Verbindung, die ohne Worte entsteht, eine Nacht, die sich still in die persönliche Geschichte eines Menschen einschreibt.

„Musik hat die Kraft, Teil der Erinnerung eines Menschen zu werden, und zu wissen, dass ich selbst nur eine kleine Rolle in solchen Momenten spielen kann, ist unglaublich besonders für mich. Gleichzeitig verstehe ich natürlich, dass das Ganze auch Spaß machen soll. Ich gebe jemandem eine Erfahrung, und auch deshalb liebe ich, was ich tue.“

AVISIONs Geschichte beginnt genau dort, in einer Stadt, die ihm Neugier vor Gewissheit und Verantwortung vor Anerkennung beigebracht hat. Alles, was danach kam, vom Studio bis hin zu dem Label, das er später gründen sollte, wächst organisch aus diesen frühen Lektionen heraus, anstatt sich von ihnen zu entfernen. Das lange Spiel kündigt sich selten im Voraus an. Meist zeigt sich seine Form erst dann, wenn genügend Jahre still vergangen sind.

Rhythmus kommt zuerst. Weniger aus Gewohnheit als aus körperlichem Instinkt, geformt durch Jahre hinter einem Schlagzeug und verstärkt durch das Verständnis, dass Bewegung auf einem Dancefloor der Emotion vorausgeht. Bevor eine Platte überhaupt etwas erzählen kann, muss sie atmen. Dieser erste Puls wird zum Fundament, auf dem alles Weitere entstehen darf, selbst wenn das Ziel zunächst völlig offen bleibt.

„Wenn ich einen neuen Track schreibe, beginne ich meistens mit dem Rhythmus, weil ich immer das Gefühl hatte, dass er das Fundament von House-Musik ist. Als Schlagzeuger suche ich oft nach neuen Drum-Kits, die mich inspirieren, und beginne damit, einen Groove aufzubauen, mit dem ich mich verbinden kann. Oft entsteht daraus ein Bass-Groove, und ich schreibe anschließend meine Bassline dazu oder lasse mich von etwas inspirieren, das ich gesampelt habe. Der kreative Prozess ist bei jedem Track anders. Manchmal habe ich eine klare Idee, manchmal gehe ich komplett ohne Plan ins Studio.“

Produzent:innen beschreiben das Studio gerne als einen Ort der Offenbarung, an dem Inspiration mit filmischer Gewissheit erscheint. Für AVISION ersetzt Neugier diese Form von Mystik. Entscheidend ist, offen genug zu bleiben, damit etwas Unerwartetes entstehen kann, anstatt eine Idee zu erzwingen, nur weil eine Session bereits begonnen hat.

Seine neueste Single This Time spiegelt diese Philosophie wider, ohne sich als dramatischer Wendepunkt zu inszenieren. Sie wird weder als Neuerfindung präsentiert noch versucht sie, sich demonstrativ von früheren Veröffentlichungen abzusetzen. Stattdessen wirkt der Track wie ein Gespräch zwischen verschiedenen Kapiteln seines musikalischen Lebens. Disco-Texturen stehen selbstverständlich neben zeitgenössischer House-Produktion. Vertraute Einflüsse bleiben hörbar, ohne in Nostalgie abzurutschen. Der Track blickt zurück, ohne dort stecken zu bleiben, und behandelt Geschichte eher als Material denn als Ziel.

„Der Track repräsentiert sehr genau, wer ich musikalisch bin, und zeigt meine Wurzeln. Ich bin mit Disco und House-Musik aufgewachsen, deshalb zeigt es ziemlich gut, wer ich als Künstler bin, wenn diese Einflüsse auf der Platte durchscheinen. Ich glaube, der Track steht dafür, wo ich gerade bin: Ich nehme Inspiration aus der Musik, die mich geprägt hat, und gebe ihr meinen eigenen modernen Twist.“

Dance Music hatte schon immer ein kompliziertes Verhältnis zu ihrer eigenen Geschichte. Jede Generation behauptet, nach vorne zu gehen, während sie still aus der Vergangenheit schöpft. Der Unterschied liegt darin, wie offen diese Einflüsse anerkannt werden. This Time versucht nicht zu verbergen, woher seine DNA stammt. Stattdessen akzeptiert der Track, dass Identität durch Ansammlung entsteht. Jahre des Zuhörens werden irgendwann zu Jahren des Produzierens. Sounds, die man als Teenager aufgenommen hat, kehren später zurück, verändert durch Erfahrung statt bloßer Imitation. Es gibt keine Angst davor, zeitgemäß wirken zu müssen, weil der Track gar nicht erst versucht, Zeitgeist zu jagen. Genau deshalb fühlte es sich für ihn auch weniger wie ein strategischer Schritt als vielmehr wie eine logische Konsequenz an, die Single über Ground Rule Records zu veröffentlichen.

„Sie unabhängig über Ground Rule Records zu veröffentlichen, fühlte sich richtig an, weil es mir die Freiheit gibt, meinen Instinkten zu vertrauen und Musik herauszubringen, die mich wirklich repräsentiert. Bei dieser Platte hat einfach alles zusammengepasst. Der Sound, das Timing und die Richtung, in die ich das Label entwickeln möchte. Für mich fühlt sie sich wie ein Statement darüber an, woher ich komme, wo ich heute stehe und wohin ich als Nächstes will.“

Labels funktionierten einst als kulturelle Filter. Ihre Kataloge spiegelten eine Haltung ebenso wider wie ein Künstler-Roster und schufen Identitäten, denen Hörer:innen folgen konnten, lange bevor Algorithmen begannen, diese Entscheidungen für sie zu übernehmen. In den vergangenen Jahren ist dieses Verhältnis unberechenbarer geworden. Künstler:innen gründen Imprints aus praktischen Gründen, Distribution ist zugänglicher geworden und die Grenzen zwischen Label, Marke und Medienplattform verschwimmen zunehmend. Ground Rule betritt diese Landschaft, ohne ein älteres Modell kopieren zu wollen, lehnt es aber ebenso ab, lediglich als Outlet für AVISIONs eigene Musik zu existieren. Der Anspruch ist deutlich größer. Die Platten sind wichtig, aber nur ein Teil eines größeren Ökosystems, das er im Hintergrund aufgebaut hat.

„Die Inspiration entstand eigentlich aus dem Wunsch, alles, was ich im Leben liebe, in einer Marke zusammenzubringen. Ich habe es schon immer geliebt, Menschen aus unterschiedlichen Kulturen, Berufen, kreativen Disziplinen und Lebensrealitäten zusammenzubringen, und ich hatte das Gefühl, dass es keinen besseren Weg dafür gibt, als all die Dinge miteinander zu verbinden, die mir wirklich wichtig sind: Musik, Events, Mode, Kunst und New Yorker Kultur. Mein Ziel mit Ground Rule war immer, eine Plattform für verschiedene Formen von Kunst und Ausdruck zu schaffen und gleichzeitig Menschen einzubinden, die ich kreativ sehr respektiere.“

In dem Projekt steckt gleichzeitig eine stille Absage an Exklusivität. Underground-Kultur spricht oft über Community und schützt gleichzeitig unsichtbare Grenzen darum, wer dazugehört. AVISIONs Sprache bewegt sich in die entgegengesetzte Richtung. Immer wieder kehrt er zu Offenheit, Zusammenarbeit und Neugier zurück, ohne diese Begriffe als Branding-Instrumente zu benutzen. Ziel ist es, genug Raum zu schaffen, damit unerwartete Begegnungen überhaupt stattfinden können. Das mag idealistisch klingen, basiert aber auf derselben Philosophie, die auch seine Sets prägt. Entdeckung hat nur dann Bedeutung, wenn jemand bereit ist, andere mit etwas zu konfrontieren, das über das hinausgeht, was sie ohnehin schon kennen.

„Ich möchte, dass es ein Ort ist, an dem unterschiedliche Welten ganz natürlich aufeinandertreffen können, an dem Menschen sich verbinden, zusammenarbeiten und mit Ideen oder Perspektiven in Kontakt kommen, denen sie sonst vielleicht nie begegnet wären. Letztlich hoffe ich, eine Community aufzubauen, die sich offen, inspirierend und authentisch anfühlt, eine, die nicht durch eine einzelne Szene oder Industrie definiert wird, sondern durch gemeinsamen Respekt vor Kreativität, Kultur und dem Wunsch, Menschen zusammenzubringen.“

Ein eigenes Label zu führen verändert zwangsläufig die Art, wie ein Künstler über Musik nachdenkt, wenn auch vielleicht nicht auf die Weise, die viele erwarten würden. Ownership wird oft als vollständige kreative Freiheit beschrieben, als Ort, an dem Kompromisse verschwinden. Seine Perspektive bleibt bemerkenswert pragmatisch.

„Es hat mich nicht allzu sehr verändert, weil ich meinen Sound nie wirklich an ein Label angepasst habe. Ich habe eigentlich immer mein eigenes Ding gemacht und gehofft, dass die Musik ganz natürlich zu dem Label passt, bei dem ich sie platzieren wollte. Mein eigenes Imprint zu führen, hat diese Haltung eigentlich nur noch verstärkt und mir eine noch größere Wertschätzung für kreative Freiheit gegeben.“

Diese Antwort räumt still mit einem der beliebtesten Mythen elektronischer Musik auf. Es gibt die weit verbreitete Annahme, dass Künstler:innen ihre wahre Stimme erst entdecken, wenn sie unabhängig werden. In Wirklichkeit haben viele bereits jahrelang mit sich selbst verhandelt, bevor sie überhaupt mit Labels verhandeln. AVISIONs Katalog spiegelt genau diese Beständigkeit wider. Unterschiedliche Imprints boten unterschiedliche Kontexte, doch die Musik wirkt selten so, als wäre sie gemacht worden, um den Erwartungen anderer zu entsprechen. Ground Rule hat diese Identität nicht erschaffen. Das Label hat lediglich eine weitere Ebene von Erlaubnis aus dem Prozess entfernt.

„Es hat mir stärker bewusst gemacht, welche Verantwortung damit einhergeht, Musik zu veröffentlichen und andere Künstler zu unterstützen. Wenn es deine eigene Plattform ist, denkst du nicht nur über deine eigene Arbeit nach. Du denkst darüber nach, wie du anderen Möglichkeiten schaffen und etwas aufbauen kannst, das eine echte Identität und einen echten Zweck besitzt. Für mich geht die Rolle eines Künstlers heute über das reine Musikmachen hinaus. Es geht auch darum, zur Kultur beizutragen, Menschen um dich herum zu unterstützen und Raum für neue Ideen zu schaffen, ohne dabei aus den Augen zu verlieren, was dich ursprünglich authentisch gemacht hat.“

Statt Beständigkeit als kreative Sicherheit zu betrachten, sieht er sie als Voraussetzung dafür, überhaupt sinnvoll experimentieren zu können. Bedeutungsvolle Risiken kann man erst eingehen, wenn man das Fundament darunter wirklich versteht.

„Für mich ging es eigentlich immer darum, das, was ich tue, wirklich zu lieben und mir selbst treu zu bleiben. Ich habe mich nie besonders darauf konzentriert, Trends hinterherzulaufen oder diesen einen großen Moment zu erzwingen. Natürlich willst du wachsen und neue Ebenen erreichen, aber ich habe immer versucht, Dinge organisch passieren zu lassen und über Zeit etwas aufzubauen, das sich echt anfühlt.“

Es ist leicht für Künstler:innen zu behaupten, dass sie Trends ignorieren. Viel schwieriger ist es zu erkennen, wie subtil dieser Druck inzwischen geworden ist. Algorithmen belohnen Vertrautheit. Social Media belohnt Unmittelbarkeit. Streaming-Plattformen belohnen Frequenz. Keines dieser Systeme sagt Künstler:innen ausdrücklich, welche Musik sie machen sollen. Gemeinsam schaffen sie jedoch eine Umgebung, in der kreative Entscheidungen zunehmend von Sichtbarkeit statt von Neugier beeinflusst werden. Neue Ideen schleichen sich allmählich in die Musik ein, ohne zu verlangen, dass alles Vorherige verworfen wird. Entwicklung erscheint als Kontinuität statt als Bruch. Es ist ein langsamerer Prozess, aber womöglich auch ein nachhaltigerer.

„Ich glaube, Langlebigkeit entsteht dadurch, dass man sich ständig weiterentwickelt, ohne seine Identität zu verlieren. Ich höre ständig Musik, lerne, entdecke neue Dinge und lasse mich davon inspirieren, was um mich herum passiert. Aber ich möchte mich nie zu etwas zwingen, nur weil es gerade populär ist. Trends kommen und gehen, und wenn man zu viel Zeit damit verbringt, ihnen hinterherzulaufen, kann man leicht vergessen, warum man überhaupt angefangen hat.“

Ground Rule wird damit Teil dieser langfristigen Entwicklung, statt ein separates Kapitel zu bilden. Das Label erweitert seine Verantwortung, aber ebenso die Möglichkeiten, wie Ideen zirkulieren können. Kollaborationen reichen über Musik hinaus. Unterschiedliche kreative Disziplinen überschneiden sich weiter. Das Projekt wächst, ohne gehetzt zu wirken. Nichts deutet darauf hin, dass bereits alles fertig definiert wäre. Im Gegenteil: AVISION scheint stärker daran interessiert, Strukturen aufzubauen als fertige Monumente. Die Zukunft bleibt gerade deshalb wertvoll, weil sie noch nicht vollständig festgelegt ist.

„Was mich am meisten begeistert, ist das Gefühl, dass es noch so viel zu entdecken gibt. Ich habe das Gefühl, dass ich mich ständig weiterentwickle und dass das Beste von mir noch gar nicht zum Vorschein gekommen ist, nicht nur als Künstler, sondern auch als Mensch, und natürlich findet das seinen Weg in die Musik. Ich freue mich darauf, mich weiter in neues Terrain zu bewegen, mit unterschiedlichen Sounds und Einflüssen zu experimentieren und mich nicht davon einschränken zu lassen, was andere vielleicht von mir erwarten.“

„Während Ground Rule weiter wächst, freue ich mich außerdem darauf, eine größere kreative Welt rund um die Musik aufzubauen und mit Menschen zusammenzuarbeiten, die ich aus unterschiedlichen Disziplinen wirklich respektiere. Für mich hängt all das miteinander zusammen, und ich glaube, diese Erfahrungen werden weiterhin beeinflussen, wie ich sowohl meinen eigenen Sound als auch die Marke selbst entwickle. In den kommenden Jahren hoffe ich, dass die Leute mehr Tiefe, mehr Selbstvertrauen und vielleicht Seiten von mir hören, die sie bisher noch nicht kannten. Ich möchte, dass sich die Musik weiterentwickelt, ohne das Gefühl und die Identität zu verlieren, die immer im Zentrum meiner Arbeit standen. Mehr als alles andere möchte ich, dass die Menschen hören, dass ich immer noch neugierig bin, immer noch Risiken eingehe und mich immer noch ehrlich darauf freue, kreativ zu sein.“

Vielleicht liegt genau darin die stille Lektion, die sich durch all seine Aussagen zieht. Dance Music war schon immer besessen vom nächsten Release, dem nächsten Wochenende und dem nächsten Durchbruch. AVISION scheint sich stärker dafür zu interessieren, was von diesen Momenten übrig bleibt, wenn sie vorbei sind. Er versteht, dass sie ihrer Natur nach vergänglich sind. Die Arbeit, die Bestand hat, ist selten die lauteste. Häufig gehört sie vielmehr den Künstler:innen, die noch lange weiterarbeiten, nachdem sich der Lärm längst woanders hin verlagert hat, die weiterhin zuhören, weiter lernen und darauf vertrauen, dass sich das lange Spiel lohnt.