Ben Techy: Jenseits Der Reaktion

„Kein Vorbei“ entstand, bevor Ben Techy überhaupt viel Zeit hatte, sich selbst dabei in die Quere zu kommen.

Die Melodien entwickelten sich schnell. Er experimentierte mit selbstgebauten Synth-Patches, spielte auf dem Keyboard und arbeitete mit MPE Pitch Bending, damals inspiriert von Aloboi. Eine Idee führte zur nächsten, und innerhalb eines Tages war der Track fertig. Ben hat gelernt, genau solche Sessions zu erkennen. Wenn sich die Musik schneller zu bewegen scheint, als seine Hände sie festhalten können, lohnt es sich meistens, ihr zu folgen.

Was diesmal anders war, war das Fehlen eines imaginären Publikums.

Jahrelang hatte ihn im Studio immer wieder dieselbe Frage begleitet: Werden die Leute das mögen? Bei „Kein Vorbei“ verlor diese Frage vorübergehend ihre Macht. Stattdessen entstand der Track aus dem Gefühl heraus, in einem System gefangen zu sein, das einem nach und nach Identität, Sinn und jedes stabile Zeitgefühl nimmt. Ben wollte diese Taubheit einfangen, die entsteht, wenn man selbst zunehmend mechanisch funktioniert, während sich alles um einen herum weiterbewegt.

Damals ging er davon aus, dass Hörer:innen von Hard Techno etwas Aggressiveres und Industrielleres erwarteten. Stattdessen fand gerade die melodische und emotionale Offenheit von „Kein Vorbei“ deutlich stärkeren Anklang, als er erwartet hatte.

„Ich habe mich jahrelang gefragt: ,Werden die Leute das mögen?‘ ,Kein Vorbei‘ war wahrscheinlich das erste Mal, dass ich mehr daran interessiert war, ob es mir selbst gefällt.“

Es liegt eine gewisse Ironie darin, einen Durchbruch zu erleben, indem man sich weniger darauf konzentriert, einen zu haben. Für Ben war die Erkenntnis letztlich wichtiger als das Ergebnis. Menschen das zu geben, von dem man glaubt, dass sie es wollen, ist nicht zwangsläufig dasselbe, wie ihnen etwas zu geben, das sie als bedeutungsvoll erkennen können.

Diese Unterscheidung prägt heute einen großen Teil seines Verständnisses von härterer Musik.

Ein Track kann extrem hart wirken, ohne wirklich Bewegung auszulösen. Er kann technisch makellos sein, ohne eine Idee zu hinterlassen, an die man sich erinnert. Ben interessiert sich zunehmend für das, was unterhalb des ersten Impacts bestehen bleibt.

Für ihn beginnt das mit Groove.

„Der Groove ist der Unterschied zwischen einem Track, bei dem du nur stampfst, und einem Track, der dich wirklich zum Bewegen bringt.“

Kick, Bass und Percussion funktionieren für ihn als Beziehung zueinander und nicht bloß als Ansammlung einzelner Sounds. Ihr Charakter ist wichtig, aber ebenso entscheidend ist, wo jedes Element sitzt und wie es mit den anderen interagiert. Genau deshalb fasziniert ihn Schranz weiterhin. Eine rhythmische Idee kann sich so lange wiederholen, bis sie vollkommen absorbierend wirkt. Dann reicht eine minimale Veränderung, um das Ohr neu zu fokussieren: ein Percussion-Hit, ein Call and Response, ein einzelner ungewöhnlicher Sound an genau der richtigen Stelle. Vielleicht nimmt der Kopf diese Veränderung gar nicht bewusst wahr, aber der Körper tut es.

Diese körperliche Reaktion lässt sich nicht auf Lautstärke reduzieren. Ben steht Tracks skeptisch gegenüber, die versuchen, jeden einzelnen Abschnitt wie einen Höhepunkt wirken zu lassen. Permanente Eskalation flacht irgendwann ab. Seine Arrangements leben stattdessen von Erwartung, Rücknahme und Rückkehr.

Noch deutlicher wird er, wenn er über Produktionen spricht, deren gesamte Identität verschwindet, sobald man die Kick entfernt.

„Wenn die komplette Identität eines Tracks darin besteht, dass er schmerzhaft klingt, bin ich mir nicht sicher, ob es nach den ersten 30 Sekunden noch besonders viel zu entdecken gibt.“

Ben mag abrasive Sounds. Was ihn nicht interessiert, ist Härte als Selbstzweck. Es muss einen weiteren Grund geben, dabeizubleiben: eine Melodie, Atmosphäre, Spannung oder etwas Ungewohntes, das gerade durch seine Platzierung Bedeutung gewinnt.

Aufgewachsen in Schottland, hörte er intensiv Berliner hypnotischen Techno und Hard Groove. Ihn faszinierte Musik, die dunkel, repetitiv und minimal bleiben konnte, ohne sich permanent erklären zu müssen. Diese Einflüsse wurden in seiner eigenen Musik so deutlich, dass Hörer:innen regelmäßig davon ausgehen, er sei Deutscher.

Er versteht, warum.

Deutsche Vocals tauchen häufig in seinen Produktionen auf, und Ben gefällt das Gewicht der Sprache in Verbindung mit härteren rhythmischen Strukturen. Die Aussprache funktioniert für ihn musikalisch und erlaubt es gleichzeitig, Ideen weniger direkt zu vermitteln, als es auf Englisch manchmal der Fall wäre. Die Sprache wurde so zu einer weiteren Textur innerhalb eines Sounds, der den Einfluss Berlins längst aufgenommen hatte, ohne so zu tun, als würde er selbst dorthin gehören.

Diese Vorliebe für Ideen statt Oberflächen prägt auch seinen Produktionsprozess.

Die meisten Projekte beginnen mit einer Melodie. Ben arbeitet an einer Idee, bis er das Potenzial für einen vollständigen Track spüren kann. Dann stellt er sich selbst im Publikum vor und versucht, den Track zum ersten Mal zu hören. Wenn er beginnt, sich auf seinem Stuhl zu bewegen oder ihm die Haare zu Berge stehen, gibt es etwas, dem es sich zu folgen lohnt.

Erst dann beginnt die obsessivere Arbeit.

Sein technischer Hintergrund macht Zurückhaltung für ihn besonders wichtig. Ben arbeitete als Mastering Engineer an Releases etablierter Artists und Labels und unterrichtete Produzent:innen, die später selbst Musik veröffentlichten. Gegenüber seinen eigenen Mixes bleibt er extrem kritisch und hört sich veröffentlichte Tracks oft später noch einmal an, wobei ihm sofort Balancen oder Entscheidungen auffallen, die er heute verändern würde.

Aber technische Unzufriedenheit hat ihre Grenzen.

Ein:e Produzent:in kann einen ganzen Tag damit verbringen, Kompressoren und EQs zu verändern, und dabei gleichzeitig der Möglichkeit ausweichen, dass vielleicht schlicht das Arrangement nicht funktioniert. Aktivität kann Unentschlossenheit sehr leicht kaschieren.

„Der Mix sollte die Idee zum Leben erwecken. Er sollte nicht dafür verantwortlich sein, dass die Idee überhaupt funktioniert.“

Diese Vorliebe für Konstruktion statt bloßer Perfektion wird beim DJing körperlich spürbar.

Ben bereitet seine Sets nur selten als feste Abfolge vor. Stattdessen beobachtet er den Raum in Fragmenten, schaut zwischen seinen Entscheidungen immer wieder hoch und versucht zu verstehen, ob die Leute vollkommen bei ihm sind, auf eine Veränderung warten oder bereit sind, ihm an einen unerwarteten Ort zu folgen.

Die Arbeit mit vier Decks erlaubt ihm, Tracks eher als Material denn als abgeschlossene Werke zu behandeln. Percussion aus einem Track kann über einem anderen liegen. Top Loops und Vocals wandern zwischen verschiedenen Strukturen. Manchmal lädt er denselben Track auf zwei Decks, um unterschiedliche Elemente separat zu manipulieren, während andere Edits direkt live entstehen.

„Ich bewege mich nicht einfach von einem fertigen Track zum nächsten. Ich nehme einzelne Teile aus unterschiedlichen Tracks und bringe sie dazu, miteinander zu funktionieren.“

Vielleicht weiß er, welche Platte er als Nächstes erreichen möchte, aber nicht zwingend, wie er dorthin kommt. Das Publikum kann die Route verändern. Ein Übergang zieht sich länger. Ein anderer Track kommt dazwischen. Ein Element bleibt länger im Mix als geplant.

Die besten Sets sind für ihn nicht einfach jene, bei denen das Publikum überrascht wird.

„Die besten Sets sind die, bei denen ich selbst fast überrascht davon bin, wo ich am Ende gelandet bin.“

Diese Betonung von tatsächlicher Beteiligung erklärt auch sein Unbehagen gegenüber einer anderen Form zeitgenössischer DJ-Performance: einer, die vor allem demonstrieren soll, dass gerade Performance stattfindet.

Ben sieht einen Unterschied zwischen gutem DJing und so auszusehen, als wäre man gut im DJing.

Kameras haben diesen Unterschied schwerer ignorierbar gemacht.

Seine Kritik richtet sich nicht gegen körperliche Performance an sich. Sie beginnt dort, wo Gesten musikalische Entscheidungen ersetzen. Die richtigen Tracks auszuwählen, zu verstehen, wie sie miteinander interagieren und die Energie eines Raums zu kontrollieren, bleibt für ihn die eigentliche Arbeit. Technologie sollte diese Möglichkeiten erweitern, nicht reduzieren.

„Wenn die technischen Hürden niedriger werden, sollte meiner Meinung nach auch der Anspruch steigen.“

Interessanter wird seine Kritik an Kamerakultur allerdings in dem Moment, in dem er sich selbst darin einschließt.

Ben weiß, was passiert, wenn aus einer großartigen Nacht Content wird. Das Publikum kann komplett im Moment aufgegangen sein, aber dann kommen die Videos. Ein Clip zeigt eine Reaktion, die weniger explosiv aussieht als das Material von einer anderen Show.

„Es steht außer Frage, dass Social Media Hard Techno dabei geholfen hat, Menschen zu erreichen, die ihn sonst vielleicht nie entdeckt hätten. Ich habe gesehen, wie enorm die Szene gewachsen ist, und Plattformen wie Instagram und TikTok haben daran einen riesigen Anteil. Ich glaube nicht, dass das grundsätzlich etwas Schlechtes ist. Es gibt immer noch sehr viele Menschen, die zu Shows gehen und sich komplett in der Musik verlieren.“

An der Nacht selbst hat sich nichts verändert.

Was sich verändert, ist der Maßstab, den man im Nachhinein an sie anlegt.

„Problematisch wird es meiner Meinung nach dort, wo die Online-Version des Erlebnisses beginnt, das eigentliche Erlebnis zu beeinflussen. Ich habe mich selbst schon dabei erwischt. Du bekommst Videos von einer Show und selbst wenn das Publikum eine unglaubliche Zeit hatte, gibt es vielleicht einen Clip, bei dem die Reaktion weniger explosiv aussieht als bei einer anderen Nacht. Plötzlich denkst du: ,Das kann ich nicht posten.‘ Du möchtest natürlich, dass der Content die besten Momente repräsentiert, aber ich glaube, genau daraus kann dieser Druck entstehen, ständig noch größere Reaktionen erzeugen zu müssen. Es ist fast so, als bräuchten wir nach jeder Show einen Beweis dafür, dass das Publikum spirituelle Erleuchtung erreicht hat.“

Hinter dem Witz steckt ein echter Konflikt. Von jedem Publikum wird erwartet, überwältigt auszusehen. Jeder Drop soll riesig wirken. Jede Performance soll den Beweis liefern können, dass etwas Außergewöhnliches passiert ist.

Bens eigener Ansatz basiert jedoch gerade auf Dynamiken, die sich nicht immer in wenigen Sekunden vermitteln lassen.

Spannung braucht Raum.

Wiederholung braucht Zeit.

Ein Raum kann vollkommen in einer Musik aufgehen, ohne permanent Reaktionen zu produzieren, die auf einem Bildschirm besonders gut funktionieren.

Ben stellt sich selbst nicht außerhalb dieses Widerspruchs. Er ist Teil derselben Umgebung, postet Videos und versteht den Wunsch, die stärksten Momente zu zeigen. Die entscheidende Frage ist, ob die Darstellung irgendwann beginnt, das Erlebnis zu beeinflussen, das sie eigentlich dokumentieren sollte.

„Wenn jeder Moment in einem 15-Sekunden-Clip wie der absolute Höhepunkt der Nacht aussehen muss, entsteht automatisch ein Anreiz, alles noch lauter, härter und dramatischer zu machen. Ich versuche, das nicht beeinflussen zu lassen, was ich spiele. Ich möchte keine Musik machen oder Sets spielen, nur weil ich glaube, dass sie auf Social Media gut funktionieren werden. Die Menschen, die direkt vor mir stehen, sind das Publikum, das zählt. Wenn sie sich komplett in der Musik verlieren, interessiert es mich ehrlich gesagt nicht besonders, ob daraus ein guter Instagram-Clip entsteht. Auf dem Dancefloor gibt es keinen Algorithmus.“

Es ist eine weitere Version desselben Problems, das „Kein Vorbei“ bereits im Studio sichtbar gemacht hatte: Was passiert, wenn die erwartete Reaktion beginnt, die Entscheidung zu treffen?

Bens Verhältnis zu Langlebigkeit gibt dieser Frage noch eine weitere Dimension.

Musik hatte bereits einen großen Teil seines Lebens bestimmt, lange bevor sein Artist-Projekt die heutige Dynamik entwickelte. Er schrieb und nahm seit seiner Jugend Musik auf, arbeitete hinter den Kulissen und unterrichtete andere.

Dann riss ihn ein schwerer Autounfall für mehrere Jahre aus der Musik heraus.

Er beschreibt diese Zeit als einen der tiefsten Punkte seines Lebens. Gleichzeitig zwang ihn die Distanz dazu, neu darüber nachzudenken, was er von Musik wollte und welche Art von Leben darum herum überhaupt möglich war.

Als er zurückkehrte, war Langlebigkeit nicht mehr etwas, worüber er irgendwann später nachdenken wollte. Sie wurde Teil der Karriere selbst.

„Es bringt nicht viel, etwas Erfolgreiches aufzubauen, wenn man sich dabei selbst ausbrennt, nur um es am Leben zu halten.“

Ben möchte seine Musik weiterentwickeln und irgendwann eigene Events und Konzepte auf der ganzen Welt aufbauen. Expansion ergibt für ihn jedoch keinen Sinn mehr, wenn sie gleichzeitig die Bedingungen zerstört, die notwendig sind, um überhaupt weitermachen zu können.

Auch das, was er hinterlassen möchte, ist erstaunlich schlicht.

Ein Track sollte auch Jahre später noch seine Handschrift tragen.

Noch wichtiger ist ihm allerdings, dass sich jemand daran erinnert, was dieser Track für ihn oder sie bedeutet hat.

Damit führt die Geschichte zurück zu „Kein Vorbei“.

Der Track entstand nicht als Strategie, um sich bewusst von anderen abzuheben. Er entstand an einem Tag, an dem die Distanz zwischen etwas zu fühlen und daraus Musik zu machen ungewöhnlich klein war.

Die Melodien kamen.

Ben folgte ihnen.

Das Publikum kam danach.

Natürlich beobachtet er dieses Publikum weiterhin. Er verändert seine Richtung aufgrund seiner Reaktionen. Er kennt die Versuchung, im Voraus zu überlegen, was den größten Effekt erzielen könnte, im Raum genauso wie auf einem Bildschirm.

Aber eine Reaktion wahrzunehmen und sie die Entscheidung treffen zu lassen, sind zwei unterschiedliche Dinge.

Der nächste Track muss immer noch zuerst ihn selbst bewegen.