NEMS

Es gibt eine besondere Ruhe, die NEMS umgibt, wenn sie einen Raum betritt. Nicht die Stille der Zurückhaltung, sondern das Selbstvertrauen von jemandem, der seine Absicht nicht erklären muss. Ihre Präsenz setzt sich allmählich durch, durch Haltung, durch Tempo, durch die Art, wie Klang sich ausdehnen darf, bevor er sich verdichtet. Nichts wirkt gehetzt. Nichts verlangt Aufmerksamkeit. Der Floor reagiert trotzdem.

Ihre Welt basiert auf Bewegung, auf Rhythmus, verstanden als etwas Körperliches, lange bevor es technisch wird. Tanz, afroverwurzelter Sound, Reisen, Intuition, all das wirkt als verbundene Kräfte statt als getrennte Kapitel. In diesem Gespräch entsteht kein Bild von Aufstieg oder Definition, sondern eine Arbeitsweise. Wie Instinkt zu Struktur wurde. Wie Zuhören zu Autorität wurde. Wie Sound funktioniert, wenn Grenzen als irrelevant betrachtet werden.

Von Anfang an widersetzte sich NEMS der Idee, dass Sound in Schubladen gesteckt werden sollte. Dancehall, Amapiano, Afro House und Afrobeats erscheinen in ihren Sets nicht als Statements, sondern als Fortsetzungen. Sie folgen aufeinander, weil sie in ihrer inneren Logik zusammengehören, nicht weil Kontrast erforderlich wäre. Dieser Ansatz entstand nicht aus Theorie oder Trendbewusstsein. Er entstand aus Ablehnung.

„Mein Sound hat sich ganz natürlich entwickelt“, erklärt sie. „Schon früh sagten mir Leute, ich solle mich auf ein Genre festlegen, aber das fühlte sich nie richtig an. Ich verbinde mich tief mit afroverwurzelten Sounds wie Dancehall, Amapiano, Afro House und Afrobeats, und für mich existieren sie nicht in getrennten Boxen. Sie gehören zusammen.“

Diese Entscheidung hatte Konsequenzen. Das Ignorieren von Ratschlägen hat das oft. Mit der Zeit formte sie jedoch die Art, wie ihre Sets heute wahrgenommen werden. Die Wechsel in Rhythmus und Tempo wirken bewusst, aber nicht erzwungen, zusammengehalten durch innere Konsistenz statt durch ein externes Regelwerk.

„Rückblickend war es wichtig, diesem Instinkt zu vertrauen“, fährt sie fort. „Mich nicht einzuschränken wurde Teil dessen, was die Menschen heute in meinen Sets wiedererkennen. Zwischen Rhythmen, Stimmungen und Tempi zu wechseln hält alles lebendig, für mich und für das Publikum. Und was bringt es überhaupt, sich selbst einzuschränken?“

Lange bevor DJ-Booths vertraut wurden, war Bewegung ihr primärer Bezugspunkt. Tanz formte ihre Beziehung zur Musik nicht als etwas, das man analysiert, sondern als etwas, das man bewohnt. Dieses verkörperte Verständnis bestimmt bis heute, wie sie einen Raum aufbaut.

„Bevor ich mit dem DJing begann, hat mir der Tanz gezeigt, wie Musik im Körper lebt“, sagt sie. „Bewegung, Timing und Energie habe ich körperlich verstanden, lange bevor ich sie technisch verstanden habe.“

Infolgedessen umgeht ihre Methode lineare Konstruktion. Tracks sind Werkzeuge, keine Anker. Entscheidend sind Spannungsbogen, Druck und die Zwischenräume.

„Ich denke eigentlich nicht in Tracks“, fügt sie hinzu. „Ich denke in Flow, Pausen, Spannung und Auflösung. Zu beobachten, wie Körper auf dem Dancefloor reagieren, sagt mir alles, was ich wissen muss. Wenn sich die Bewegung richtig anfühlt, macht die Musik ihren Job.“

DJing trat leise in ihr Leben, während COVID, ohne Publikum oder Erwartung. Es gab keine Strategie, keine vorgestellte Zukunft. Nur Neugier und Zeit.

„DJing begann während der COVID-Pandemie ohne Masterplan“, reflektiert sie. „Es kam aus Neugier, aus Instinkt, aus dem Wunsch, Sound ohne Druck zu erforschen.“

Der Wendepunkt war nicht von Sichtbarkeit geprägt, sondern von Tiefe der Reaktion. Als Menschen nicht nur reagierten, sondern präsent blieben.

„Der Wendepunkt kam, als die Menschen nicht nur tanzten, sondern sich wirklich verbunden fühlten“, sagt sie. „Diese Reaktion machte klar, dass es mehr war als nur Experimentieren.“

Mit wachsender internationaler Präsenz übertrug sich dieselbe Aufmerksamkeit. Das Spielen in unterschiedlichen kulturellen Kontexten schärfte ihr Bewusstsein dafür, was funktioniert und was nicht. Unbekannten Räumen begegnet sie durch Zuhören statt durch Aufdrängen.

„Jedes Publikum ist anders, besonders über Kulturen hinweg“, erklärt sie. „Wenn ich an unbekannten Orten spiele, höre ich zuerst zu. Dem Raum, den Reaktionen, der Energie.“

Was sie lernte, ist einfach, aber anspruchsvoll. Rhythmus reist leicht. Ausdruck nicht.

„Rhythmus funktioniert überall, aber Ausdruck verändert sich“, fährt sie fort. „Manche Crowds reagieren auf subtile Grooves, andere auf rohe Energie. Zu lernen, wann man sich anpasst und wann man führt, war entscheidend. Ist das nicht das, worum es beim DJing wirklich geht?“

Über all diese Erfahrungen hinweg entwickelt sich eine konsistente Technik. Instinkt, geschärft durch Beobachtung. Autorität, aufgebaut durch Zurückhaltung. Eine Welt, definiert nicht durch Labels oder Orte, sondern dadurch, wie Sound Menschen bewegt, sobald man ihm Raum zum Atmen gibt.

Reisen fließt leise in NEMS’ Arbeit ein, ohne zur ästhetischen Dekoration zu werden. Städte werden in ihren Sets nicht zu Souvenirs und nicht zu benannten Referenzen. Sie setzen sich anders fest, in Selbstvertrauen, in Zurückhaltung, darin, wie lange sie einem Groove Raum gibt, bevor sie eingreift. Touring ist für sie keine Abfolge von Stationen, sondern eine stetige Neukalibrierung.

„Reisen prägt alles, was ich tue, oft ohne dass ich es im Moment merke“, sagt sie. „Mode, Street-Energy, Essen, Sprache, all das hinterlässt Spuren. Jede Stadt hat ihren eigenen Rhythmus, und Teile davon nehme ich immer mit.“

Diese Spuren tauchen selten als offensichtliche musikalische Zitate auf. Sie zeigen sich im Tempo, in Übergängen, darin, wie entschlossen sie Richtungen einschlägt. Die Summe der Orte schärft ihre Intuition statt sie zu zerstreuen. Kreativer Stillstand gehört nicht zu ihrem Wortschatz.

„Es zeigt sich in meinen Selections, meinen Transitions, sogar darin, wie sicher ich mich hinter den Decks fühle“, fügt sie hinzu. „Kreativ stillzustehen war nie wirklich eine Option.“

Hinter dem Booth ist NEMS ehrlich und geerdet. Keine konstruierte Rolle, keine übertriebene Performance. Was wie Selbstbewusstsein wirkt, ist eher Hingabe, die Bereitschaft, Intuition führen zu lassen, ohne zu viel zu korrigieren.

„Meine Präsenz hinter dem Booth entsteht aus weiblicher Energie und Intuition“, erklärt sie. „Weniger Kontrolle, mehr Gefühl. Weniger Performance, mehr Verbindung.“

Dieser Ansatz verändert Sichtbarkeit. Statt Distanz zum Publikum aufzubauen, versucht sie, diese aufzulösen. Der Booth wird durchlässig. Der Austausch bleibt aktiv.

„Mit dem Publikum verbunden zu sein ist mir wichtig“, fährt sie fort. „Ich möchte, dass Menschen sich einbezogen fühlen, nicht beobachtet. Sichtbarkeit bringt Erwartungen mit sich, besonders als Frau, aber intuitiv und geerdet zu bleiben hält diesen Austausch ehrlich.“

Wenn sich die Verbindung vollständig einstellt, zeigt sie sich subtil. Es gibt keinen einzelnen Höhepunkt. Denken tritt zurück. Die Mechanik verschwindet. Was bleibt, ist Zirkulation.

„Eine echte Verbindung erkennt man leicht“, sagt sie. „Es gibt diesen Moment, in dem das Denken aufhört und alles fließt.“

Dann wird Autorschaft zweitrangig. Das Set fühlt sich nicht mehr besessen an. Es bewegt sich durch geteilten Instinkt.

„Ich spüre es, wenn der Austausch instinktiv wird, wenn die Energie mühelos hin und her fließt“, fügt sie hinzu. „Dann fühlt es sich nicht mehr wie eine Performance an und beginnt sich geteilt anzufühlen. Das sind die Momente, die bei mir bleiben.“

Kulturelle Wurzeln stehen im Zentrum dieses Austauschs. NEMS’ molukkischer Hintergrund und ihre lange Beziehung zu afro-influiertem Sound sind keine Themen, sondern Fundamente, die leise ihre musikalische Sprache strukturieren.

„Meine molukkischen Wurzeln und afro-influierten Sounds stehen im Kern meiner musikalischen Sprache“, sagt sie. „Kultur und Identität leiten meine Entscheidungen, bewusst oder unbewusst.“

Diese Sounds global zu spielen wird nicht als Mission verstanden. Es ist Kontinuität.

„Afroverwurzelte Sounds auf globaler Ebene voranzubringen fühlt sich sowohl wie eine Ehre als auch wie eine Verantwortung an“, fährt sie fort.

Als Teil einer neuen Generation von Frauen auf internationalen Clubcircuits war Widerstand unvermeidlich. Zweifel, Hinterfragung und Unterschätzung tauchten auf dem Weg auf. Keines davon veränderte ihre Richtung.

„Teil einer neuen Welle weiblicher DJs zu sein bringt Sichtbarkeit, aber auch Widerstand“, reflektiert sie. „Unterschätzt oder hinterfragt zu werden war Teil der Reise.“

Diese Erfahrungen verhärteten ihren Ansatz nicht. Sie verfeinerten ihn.

„Sie schärfen Fokus und Selbstvertrauen“, fügt sie hinzu. „Ich hoffe, meine Präsenz trägt zu einer Szene bei, in der Frauen ganz selbstverständlich Raum einnehmen können, ohne ihre Position erklären oder verteidigen zu müssen.“

Über all diese Gedanken hinweg wird NEMS’ Welt klarer. Eine Praxis des Zuhörens statt Behauptens. Intuition, diszipliniert durch Erfahrung. Räume, sorgfältig genug geformt, dass Menschen vergessen zuzusehen und sich daran erinnern, wie man sich bewegt.

Verantwortung ist für NEMS nicht abstrakt. Sie zeigt sich darin, wie Raum gehalten wird. Sicherheit, Freude und Loslassen sind keine Werte, die nur benannt werden, sondern Zustände, die sie aktiv durch Tempo, Atmosphäre und Aufmerksamkeit für den Raum erzeugt. Ihre Sets zielen darauf ab, Reibung zu entfernen statt Spektakel zu erzeugen, damit Menschen vollständig in ihren Körpern ankommen können.

„Ich möchte, dass NEMS für Freude, Freiheit und Ausdruck auf dem Dancefloor steht, aber auch für Sicherheit“, sagt sie.

„Einen Raum zu schaffen, in dem Menschen sich wohlfühlen, loslassen, sich frei bewegen und ohne Urteil sie selbst sein können, ist mir wesentlich.“

Diese Absicht prägt, wie sie spielt, genauso wie was sie spielt. Sie zeigt sich in der Geduld, mit der Grooves sich entwickeln dürfen, im Fehlen von Aggression um ihrer selbst willen, in der Art, wie der Booth nie zur Barriere wird. Der Dancefloor wird als geteilter Raum behandelt, nicht als Ort der Kontrolle.

„Gleichzeitig liegt der Fokus auf Wachstum“, erklärt sie. „International zu expandieren, eigene Musik zu veröffentlichen und bedeutungsvolle Kollaborationen mit anderen Künstler:innen aufzubauen fühlen sich wie natürliche nächste Schritte an.“

Wichtig ist nicht Größe, sondern Ausrichtung. Prozess statt Projektion. Die Arbeit bleibt geführt von Intuition, geschärft durch Erfahrung.

„Wenn sich der Raum richtig anfühlt und die Energie ehrlich ist“, fügt sie hinzu, „findet die Musik immer ihren Weg.“