RESTRICTED | DE 2026 #01

Das mag überraschen, aber Restricted stürmt nicht kopflos in den Raum. Weder auf der Bühne noch im Gespräch. Er hält die Dinge eng. Abgewogen. Fokussiert. Es entsteht der Eindruck, dass Energie eher zurückgehalten als sofort verbraucht wird, selbst abseits der Bühne durchläuft alles dieselbe innere Prüfung, bevor es nach außen darf.

Diese Kontrolle kam nicht mit Selbstverständlichkeit. Sie wuchs langsam, über Jahre des Tourens hinweg, in denen sich der Sound oft schneller verbreitete als die Anerkennung für seine Arbeit. Australien verlangte ihm viel Geduld ab. Europa brachte Größe und die Wucht der Menschen, die sich mit dem verbanden, was er der Szene zuführte. Amerika kam später und härter: ausverkaufte Shows, eine Energie im Publikum, die alles überwältigend real machte.

Irgendwann musste Instinkt mit Verantwortung ausbalanciert werden. Wie weit lässt sich ein Raum treiben? Wie lange hält ein Körper durch, wenn Momentum nicht mehr trägt? In unserem Gespräch sprechen wir über Wachstum, Verständnis, Wertschätzung und über eine Welt, die für einen Künstler, der sie gerade erobert, immer kleiner wird. Macht euch bereit: Das hier ist gut.

Tunnel Vision wurde für Restricted zu einem prägenden Release. Wenn ein Track eine derart klare Benchmark setzt, ist es schwer, sich nicht von seinem Erfolg mitreißen zu lassen und gleichzeitig dem treu zu bleiben, was ihn so resonant gemacht hat.

„In meinen Augen war es ein großer Hit für diesen Sound, aber meine Ziele drehen sich immer darum, mehr zu wollen und weiter zu kommen. Viele Elemente aus der Produktion dieses Tracks haben sich in die folgenden Releases übertragen und den Stil geformt. Ich hätte mir keinen besseren ersten Release auf meinem eigenen Label wünschen können.“

Diese Haltung wurde durch permanente Bewegung geschärft. Ständiges Touren komprimiert Zeit und mit ihr Möglichkeiten. Musik zwischen Flügen und Soundchecks zu schreiben, lässt wenig Raum fürs Abschweifen. Das Studio wird so zu einem Ort der Notwendigkeit statt der Erkundung. Wie er es beschreibt:

„Wenn man unterwegs produziert, hat man deutlich weniger Zeit. Man muss diese Zeit wirklich nutzen. Statt experimenteller zu sein“, gibt er zu, „schreibe ich eher das, von dem ich weiß, dass es funktioniert. Ich liebe es zu produzieren, wenn ich wirklich Zeit habe, mich hinzusetzen und es wie ein Gemälde zu behandeln, Schritt für Schritt daran zu arbeiten und Neues auszuprobieren. So mache ich am liebsten Musik. Aber 2025 war extrem hektisch. Ich hatte kaum Zeit.“

Revive begann als Plattenlabel, doch seine Entwicklung zu einer umfassenderen Plattform zeigt, worum es wirklich geht: Kohärenz und Intention in eine oft chaotische musikalische Landschaft zu bringen. Revive fungiert als Rahmen, der die Energie hochintensiver Musik und Kultur in eine gemeinsame Vision lenkt.

Dieser Ansatz prägt nicht nur das Branding von Events und Merchandise, sondern formuliert auch eine kritische Haltung gegenüber der Flüchtigkeit, die elektronischen Subkulturen oft zugeschrieben wird. In dieser erweiterten Rolle zeigt Restricted seine Fähigkeit, die dynamische, anpassungsfähige Präsenz aus dem Gespräch in kuratorische und organisatorische Kontexte zu übersetzen und hebt Revive damit von einem reinen Label zu einem Katalysator kultureller Kohärenz und Innovation.

„Wir haben bisher erst ein Event gemacht, aber ich möchte definitiv eine ganze Reihe aufbauen – mit eigenen Shows und Content. Parallel dazu will ich eine Merch-Linie entwickeln, die eher wie eine Kleidungs- oder Modemarke funktioniert. Merch mit Intention. Teile, die perfekt sitzen und wirklich gute Qualität haben. Im Grunde Kleidung, die ich selbst tragen würde. Musikalisch suche ich nach allem, was viel Energie hat, ein bisschen ADHD-mäßig ist und sich nicht in eine Schublade pressen lässt. Viele Switch-ups, Vocals, unterschiedliche Kicks. Einfach Sachen, die aufregend sind und das richtig gut machen.“

Derselbe Instinkt leitet auch die Musikauswahl für Revive. Strikte Kategorisierungen meidet er. Stattdessen sucht er nach Tracks mit unberechenbarer Energie. Entscheidend ist, wie sie sich bewegen, ob sie überraschen, ohne die Kontrolle zu verlieren, und Aufmerksamkeit halten, statt sie einzufordern. Revive lebt von Momentum. Spät nachts im Tourbus scrollt er durch Demos. Jeder unbekannte SoundCloud-Link bietet eine kurze Flucht und die Möglichkeit, nicht nur den Beat zu bewerten, sondern die Bewegung, die er auslöst. So wird Selektion zur Erzählung, und die Kuration so lebendig wie die Tracks selbst.

„Es geht darum, sich immer wieder aus unterschiedlichen Quellen inspirieren zu lassen“, sagt er. Hardstyle, Rawstyle, Trance, Gabber, Industrial. Nichts davon ist Ziel. Alles sind Materialien.

Wenn Revive seine Gegenwart widerspiegelt, steht Australien für seine Vergangenheit. Beides traf Ende 2025 erstmals wirklich aufeinander, als seine erste Headliner-Tour dort innerhalb weniger Minuten ausverkauft war. Für jemanden, der jahrelang lokal spielte, ohne Zugang zu großen Bühnen, setzte diese Verschiebung langsam ein.

„Ehrlich gesagt war es surreal. Ich spiele seit etwa zehn Jahren in Australien. Es ist mein Zuhause, aber die meiste Zeit bekam ich nie die großen Bühnen oder wirkliches Spotlight.“

Dieses „woanders“ kam und kehrte dann zurück. Nach Europa, nachdem sich das Momentum jenseits der Landesgrenzen aufgebaut hatte, öffneten sich auch die Räume zu Hause. Dreamstate war innerhalb von Minuten überfüllt. Die Teletech-Shows folgten – komplett ausverkauft.

„Über 20.000 Menschen. Das im eigenen Land zu erleben, ist einfach irre. Meine Familie war auch da das ist eines der stolzesten Gefühle überhaupt. Ich hätte nie gedacht, dass ich das zu diesem Zeitpunkt meiner Karriere zu Hause erleben würde, selbst nach zehn Jahren. Es ging alles extrem schnell.“

Von Abschluss ist dabei keine Rede. Nur von einer weiteren Verschiebung. Einer weiteren Ausrichtung, die zehn Jahre brauchte und dann plötzlich da war. In den USA fühlt sich die Entwicklung anders an. Weniger verzögert. Weniger vorsichtig. Restricted kehrt seit zwei Jahren regelmäßig zurück und konnte die Kurve in Echtzeit nach oben gehen sehen.

„Jedes Mal werden die Shows größer, sie sind ausverkauft, die Bühnen wachsen, und die Reaktionen des Publikums werden verrückter. Da wusste ich, dass es nicht nur ein glücklicher Moment war, sondern dass es dafür wirklich einen Markt gibt. Das Wichtigste ist die Energie der US-Crowds. Sie lieben Bewegung, sie gehen voll rein, und mein Sound ist extrem energiegeladen das passt einfach. Auch wenn es dort noch ein relativ neuer Sound ist, ist er jetzt schon riesig.“

Was einst eine europäische Sprache war, wird in den USA schnell gelernt in größeren Räumen, mit schnelleren Sell-outs, mit Crowds, die nicht überzeugt werden müssen.

„So wusste ich, dass es nicht nur ein glücklicher Moment war. Es gibt einen echten Markt dafür.“
Wenn zwei Shows im Hollywood Palladium in unter zwei Stunden ausverkauft sind, wirkt das weniger wie ein Meilenstein und mehr wie ein Signal.

Am Ende einer Nacht läuft Restricted meist mehr auf Instinkt als auf Denken. Der Körper übernimmt. Gesichter lesen, Bewegungen, das Atmen eines Raums. Dort fühlt er sich am stärksten verbunden aber dort kippt es auch am schnellsten. Ab einer gewissen Größenordnung ist der Spielraum minimal.

Diese Balance wurde beim EDC Las Vegas auf die Probe gestellt. Sonntagabend, Closing-Set. Die Crowd verdichtete sich, bis eine Grenze überschritten war. Die Musik stoppte. Die Feuerwehr griff ein. Für einen Moment gehörte das Set nicht mehr ihm.

„Sicherheit geht immer vor. Niemand will die Party stoppen, aber wenn es unsicher wird, ist es das nicht wert. Die Priorität ist, dass es allen gut geht. Sobald alles wieder unter Kontrolle ist, pushen mich solche Momente ehrlich gesagt noch mehr in den Instinkt. Ich habe das Gefühl, unter Druck sogar besser zu performen. Es versetzt mich in einen anderen Mindset. Diese Intensität ist krass sie hebt den Raum, und sie hebt mich mit.“

Bei Creamfields kommt der Druck von woanders. Steel Yard hat seine eigene Gravitation, und ein Triple-Back-to-back bedeutet, von Beginn an Kontrolle abzugeben.

„Steel Yard ist eine meiner Lieblingsbühnen im UK. Creamfields stand sowieso auf meiner Bucket List, und letztes Jahr war ehrlich eines meiner besten Sets überhaupt. Zurückzukommen und Steel Yard schon im zweiten Jahr wieder zu spielen, fühlt sich unreal an. Ich liebe neue Dinge und Herausforderungen, aber ehrlich: Drei Leute back-to-back ist hart. Mit zwei Leuten stimmt man eine Energie ab, eine Richtung. Mit drei versucht man, drei unterschiedliche Sounds und Instinkte gleichzeitig auszurichten. Das bringt eine zusätzliche Variable alles kann passieren. Aber genau das macht es auch so spannend. Unberechenbar im besten Sinne.“

Die Körperlichkeit in Restricteds Sets ist keine theatrale Performance. Sie ist Notwendigkeit. Bewegung ist das Vehikel, durch das die Musik reist. Wie löst sich Spannung?

„Sich bei ein- oder zweistündigen Sets ständig zu bewegen, ist für mich kein Problem“, sagt er. „Das fühlt sich normal an.“

Was sich änderte, war nicht der Aufwand, sondern die Summe. Letzten Sommer spielte er fast 70 Shows in vier Monaten. Harte Bühnen. Schlechte Schuhe. Kaum Erholung.

Und doch spricht er am liebsten über den physischen Aspekt.

„Jedes Set fühlt sich an wie ein HIIT-Workout“, sagt er lachend.

Je fordernder das Set, desto präsenter fühlt er sich. Der Raum reagiert auf diese Sichtbarkeit. Aufwand, der als Aufwand erkannt wird.

„Ich habe mein ganzes Leben Sport gemacht, deshalb ist konstante Bewegung für ein- oder zweistündige Sets kein Thema. Aber letzten Sommer hatte ich rund 70 Shows in vier Monaten meine Beine waren komplett durch. Vor allem mit dem vielen Springen auf harten Bühnen. Und dann noch schlechte Schuhe, das hat auch nicht geholfen.“

Diese Präsenz zieht sich durch alles, was er aufbaut: Revive. Touren. Die Art, wie er produziert, wenn Zeit da ist. Nichts davon ist als Eroberung gedacht. Keine Fixierung, keine großen Worte. Nur Systeme, die in Echtzeit getestet und angepasst werden. Tracks, die sich entwickeln. Shows, die sich dehnen. Ein Heimatland, das sich nach zehn Jahren Wartezeit endlich öffnet. Neue Märkte, die die Sprache über Bewegung lernen, nicht über Erklärungen.

Am stärksten bleibt seine Ehrlichkeit. Selbst wenn er über Platten spricht, die seinen Weg verändert haben, oder über Räume, die in Minuten ausverkauft waren, bleibt der Ton ruhig. Ihn interessiert weniger, dass etwas funktioniert hat, als warum.

Er spricht auch offen über Grenzen etwas, das viele Artists vermeiden. Zeit ist knapp. Touren verengt Optionen, manchmal zahlt auch der Körper den Preis. Nichts davon wird dramatisiert oder als Opfer dargestellt. Es wird wahrgenommen und eingeplant. Wenn er über Musikmachen spricht, ist die Version, die er am meisten schätzt, langsam und haptisch – ein Ansatz, der ihm nicht oft zur Verfügung steht. In dieser Lücke liegt kein Klagen, nur Bewusstsein.

Im Kern wirkt Restricted pragmatisch und aufmerksam. Er achtet auf Räume, auf Menschen, darauf, wie viel Druck Dinge aushalten, bevor sie brechen. Diese Aufmerksamkeit prägt, wie er performt, wie er Musik veröffentlicht und wie er Strukturen um sich herum aufbaut. Sein Fokus liegt darauf, im Inneren der Musik geerdet zu bleiben, die Arbeit sorgfältig zu tun und alles andere in seinem eigenen Tempo entstehen zu lassen.